Retrato de entrevista: Moisés Yagües

El trabajo a realizar son unos retratos de entrevista a Moisés Yagües, un joven artista y director docente de Molina de Segura para la publicación de algún dominical o revista cultural de algún periódico.

"AHÍ OS QUEDÁIS" / DON´T HAPPY, BE WORRY / MOISÉS YAGÜES

¿Pero quién es Moisés Yagües?

Al contemplar la obra de Moisés Yagües, la primera impresión que nos queda es la de una producción simpática y divertida en la que él trabaja de un modo muy personal el dibujo y las técnicas gráficas. Pero conforme vas profundizando en sus cuadros te das cuenta que tras una apariencia fresca y lúdica, aflora una punzante ironía, que aun se potencia más por la excelente elección de los títulos. Unas obras inteligentes y ácidas en las que el autor reflexiona sobre la condición humana, las relaciones personales y los problemas sociales.

En su taller, rodeado de cuadros, pinceles, libros, pinturas, papeles, lápices y cualquier cosa que le sirve para crear su obra, Moisés, me acoge en su casa, con el fin de realizarle los retratos. Decido que no es su rasgo familiar y amable el que quiero destacar, si no que me centro en su lado más serio, cuando trabaja y que mejor lugar que su taller que tiene en el sótano de su casa.

El sótano goza de buena iluminación, una de sus puertas es totalmente acristalada por lo que me proporciona un aspecto natural y así evito la utilización del flash.

Las 4 tipos de leyenda

Nancy Newhall según la relación entre lo verbal y lo visual, habla de cuatro formas de leyenda en el fotoperiodismo.

• Leyenda enigma, nuestra atención repara antes en la fotografía para luego es el texto el que acaba de satisfacer nuestro interés.

• Leyenda mini-ensayo, fotografía y texto se complementan, no hay supremacia de ninguno de los dos.

• Leyenda narrativa, la imagen sirve de puente hacia el artículo explicativo.

• Leyenda amplificativa, imprime connotaciones a la fotografía influyendo en su lectura.

Fotoperiodismo II: Mark Cohen (EE.UU.)

Brassaï tuvo París. Weegee tenía Nueva York. Mark Cohen, bueno, él tiene Wilkes-Barre.

Vivió desde pequeño en el noreste de Pensilvania durante 69 años (toda su vida). Comenzó a hacer fotografías de accidentes automovilísticos en un periódico local, mientras que estaba en secundaria y tuvo un estudio fotográfico en su casa más de 35 años. Entre las bodas, retratos y trabajos comerciales disparó imágenes extravagantes de la calle por placer.

Las fotos eran implacablementes tristes, a menudo inquietantes. No estaba interesado en la documentación, pero en la toma de imágenes como "una huella psicológica" de lo que estaba viendo. Con un flash Vivitar en una mano y una Leica en la otra, corría detrás de la gente y los fotografiaba a muy poca distancia.

Días de fútbol

Tonny Vaccaro, el soldado que no sólo disparaba balas

"My approach was this: I said to myself, “Tony, don’t worry about how good the picture is going to be under difficult conditions and light. Take it, no matter what. If the eye sees it, take it.""Mi enfoque era la siguiente: me dije a mí mismo:" Tony, no te preocupes por lo bien que la imagen va a ser en condiciones difíciles y la luz. Tómala, no importa qué. Si el ojo la ve, tómala."

Con esta reflexión personal empezaba la carrera fotográfica de uno de los más respetados foto-cronistas de la II Guerra Mundial.

Este consejo le llevó a Tony Vaccaro a tomar más de 10.000 fotografías, tanto como soldado y civil, registrando las realidades más brutales de la Segunda Guerra Mundial y sus secuelas. Este joven soldado de la 83ª División de Infantería, participó en el desembarco de Normandía, armado con un rifle M-1 y una "Argus C-3" - un modelo de cámara bastante aficionado que tenía una cualidad muy valiosa: era casi indestructible. Vaccaro está convencido de que, si hubiese sido cualquier otra cámara, su amplia obra no existiría hoy.

Pero la cámara era la menor de las preocupaciones para Vaccaro, tomar fotografías en situaciones mortales de combate requeriría por su parte un acto de destreza. Algunos de sus negativos fueron dañados como resultado de las duras condiciones en las que se vio envuelto, y muchas marcas de agua y manchas son muestras de las secuelas de las batallas. Sin embargo, estas imperfecciones hacen que las fotografías resulten más intensas e inmediatas, los defectos de las imagenes ayudan a captar la realidad de un campo de batalla.

Joan Fontcuberta. El discurso fotográfico

El fotógrafo Joan Fontcuberta. / Vic Soriano.

El fotógrafo Joan Fontcuberta. / Vic Soriano.

Fontcuberta, a lo largo de este manual que precede a este capítulo ha defendido que la fotografía en si es un elemento aislado, pero llega un momento en el cual se puede comprobar que eso no es así. La fotografía siempre va a tener la compañía de un contexto, que haga que si cobre significado, esto es muy común en los actuales medios de comunicación, los cuales no se pueden comprender hoy en día sin la imagen. ¿Pero la imagen va realmente sola? Vemos en la mayoría de los casos que siempre está enlazada con texto, el cual ayuda a que la fotografía adquiera significado.

Por tanto se establece una relación entre el mundo de la imagen y el escrito sin ánimo de establecer como máxima, que lo uno sin lo otro no funcionarían por separado. Observamos a lo largo de la historia sin resultarnos extraño, que la imagen va con pies de foto, leyendas y sucesiones de imágenes como montajes, álbumes, que están dotados de una discursividad fotográfica, como era el caso de Brench y Benjamin, por así decirlo, fueron los precursores del editing, proceso que se denominaba en la jerga del cine y del video para denominar a este tipo de narrativa.

El rastro murciano.

En mi trabajo de fotografía periodística he escogido la realización de fotografía documental simplemente como fotografía meramente informativa.

Para ello he cubierto la noticia local de la ciudad de Murcia referente a la puesta de un mercadillo de antigüedades a modo de rastro, que inicialmente se ponía en San Andrés, pero que con el tiempo y debido al problema que surgió al proliferar los puestos de inmigrantes y artículos de dudosa procedencia, tales como móviles y ropa usada, se trasladó al Paseo del Malecón.

El caso es que desde mediados de septiembre y hasta verano el mercadillo se pondrá todos los domingos de 7:30h. de la mañana hasta las 14:30h.

Artesanos y anticuarios, están agradecidos al ayuntamiento por reubicarlos en un sitio céntrico.

El sitio a fotografiar se trataba de un espacio abierto, luminoso y durante las horas de luz más dura del día, pero que al estar cubierta y entre árboles de gran altura, todo el escenario gozaba de buena iluminación natural.

Las distancias focales manejadas son cortas y apenas con dificultades para realizar las tomas.

El tiempo de realización y exploracón del escenario es medio/corto, prácticamente en las horas intermedias del mercadillo. Las fotografías fueron sacadas el domingo 25 de noviembre, horas en las que el tránsito de gente era mayor que a las horas de inicio y fin de los puestos.

Hice fotografías de más para poder cubrir dos tipos de noticia, por un lado la noticia local que saldría publicada en los diarios de la ciudad, ya sean digitales o impresos, y también para la posible realización de un encarte en los diarios en la edición dominical. Las fotografías se presentan ya procesadas y en color tanto para soporte digital e impreso, en formato jpg y a una resolución de 150 dpi, el doble de la lineatura de impresión 75 líneas.

Todas las fotos van acompañadas de su pie de foto, dando un sentido más amplio de información a la noticia.

Henri Cartier-Bresson. Fotografiar del natural.

Para Henri Cartier-Bresson fotografiar es un acto sublime donde aquel que lo hace tiene que poner todos sus sentidos en el disparo. Tiene que ser como un cazador, aguantar la respiración y esperar el momento idóneo para capturar lo que tanto se ansía, el momento perfecto.

Distingue dos tipos de fotógrafos, sin quitar mérito al fotógrafo de encargo y de escenarios prefabricados, pero sin embargo el va más allá y hace otra distinción, refiriéndose al fotógrafo que lo hace desde su alma. Y para ello no podría ser de otra manera que desde el más profundo de uno hacia el respeto sobre todo aquello que se está fotografiando.

José Manuel Navia: un viaje a Mali

El pasado viernes 16 de noviembre vino a dar una conferencia José Manuel Navia sobre su proyecto un viaje a Mali y presentado por Mónica Lozano, tuvimos el placer de escuchar a un auténtico viajero, a un gran fotógrafo por tratarse a simple vista de un hombre claro, honesto, limpio y con un sentido del humor que de algún modo pudimos ver en su fotografía, su manera peculiar de ver el mundo.

Los que asistimos estuvimos en Mali con Navia, sentimos el olor del pan en los hornos de adobe, que vimos a través de sus ojos el desierto, navegamos por el río Níger a la luz del atardecer y oímos los rezos dentro de las mezquitas.

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Joan Costa. El lenguaje fotográfico. ¿Documento, arte o lenguaje?

Actitudes predominantes.

Toda obra es fruto de una acción material y de una disposición del ánimo, por tanto toda obra está determinada por la actitud del individuo y ésta acaba imprimiendo un carácter a la obra realizada. Pero a parte de esa actitud, se observa el reflejo de unas constantes psicológicas como la sensibilidad del individuo, las preferencias, las capacidades e intención, expresadas en su producción fotográfica.

Observando una fotografía podremos detectar la influencia que ha predominado en la actitud del fotógrafo.

Fotoperiodismo I: Gilles Caron (Francia)

Definición del término fotoperiodismo.

Digamos que el fotoperiodismo intenta narrar una noticia a partir de imágenes o apoyar un texto que ha de ser noticia. En una sociedad en la que la realidad la construyen los medios de comunicación, el apoyo de la fotografía contribuye a dar credibilidad al hecho que se está narrando. Entonces podemos asegurar que, si un reportaje de un diario va acompañado de una fotografía, no nos cabe la menor duda de que aquello que estamos leyendo es verdad. Esta supremacía de la imagen ha estado ligada al desarrollo de la tecnología y de la sociedad en general.

Breve historia del fotoperiodismo. Como hemos dicho en la definición, los orígenes de la noticia ilustrada fue el momento en el cual se acompañó el texto con imágenes. Estos orígenes están estrechamente unidos a una serie de desarrollos tecnológicos en las técnicas de impresión que posibilitaron reproducir los tonos de grises de las fotografías en papel. Hasta entonces las noticias eran ilustradas por grabadores, éstos reproducían las fotografías en unas madera que eran entintadas y el resultado era un dibujo artesanal en blanco y negro. Estos grabados provenían de dibujos pero cuando lo hacían de fotografías lo reflejaban con la mención “sacado de una fotografía”. Fue en Norte América donde el 4 de marzo de 1880 se imprimió la primera fotografía por un nuevo procedimiento denominado "halftone". Apareció en el Daily Herald de Nueva York y era de una fotografía titulada "Shantytown" (barracas). Este procedimiento consistía en reproducir una fotografía a través de una pantalla tramada que la divide en una multitud de puntos. Se pasa luego el cliché obtenido bajo una prensa al mismo tiempo que el texto compuesto. Este procedimiento es lo que hoy, aunque bastante mejorado, es la tipografía.

Grandes fotógrafos de la historia, Berenice Abbott.

Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield.

Fotógrafa estadounidense famosa por su magnífica serie documental sobre la arquitectura y diseño urbano de la ciudad de Nueva York en los años 30, también destacó por su trabajo innovador en el campo de la física.

Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar escultura y dibujo en las ciudades de Nueva York, París y Berlín.

Pero fue a partir de los años 20 cuando se dedicó a la fotografía, debido a la influencia de su paisano surrealista Man Ray, del cual trabajo junto a él como asistente de laboratorio.
De la mano de Man Ray conoció a Eugène Atget, con el que trabajó intensamente y le transmitió sus formas de hacer en la fotografía documental, ya que establecieron una estrecha colaboración hasta la muerte del mismo en 1927.
Consiguió adquirir gran parte de su archivo, que custodió y empleó hasta cederlo en 1968 al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas. Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte.
Regresó a Nueva York en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado "Changing New York", que ofrece todo un documento sistematizado de los cambios arquitectónicos que se fueron produciendo en esta ciudad, sobre un encargo de la Administración.
Entre los años 40 y 60 se dedicó intensamente a la publicación de libros y al estudio, desde la fotografía, de diferentes y variados fenómenos físicos.
Impartió clases y se dedicó a la realización de sus trabajo denominados "Ciencia" y "Escenas Americanas".
En uno de sus proyectos, que versaba sobre la documentación de la Carretera Nacional 1, que discurre desde Florida a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9 de Diciembre de 1991.

SGAE

La publicidad ha muerto ¡Larga vida a la publicidad!

Joan Fontcuberta y la naturaleza de la fotografía

A lo largo de la historia vemos como han habido y habrán diferentes teorías sobre la definición de lo que es la fotografía, debido a su peculiar y complejo proceso que tiene para que esta sea y haya sido fijada y que nos hace planteranos dos cuestiones fundamentales ¿cómo? es decir medios, materiales, estaríamos hablando de un criterio de génesis tecnológica y ¿para qué? si estamos refiriendo a un criterio de funcionalidad.

En las tinieblas de mi imaginación mi mirada trabaja a plena luz

Análisis compositivo

En la fotografía de Cartier Bresson observamos una clara conducción de líneas marcada por la base de los árboles de este paseo o avenida, y también por las ramas de estos mismos que te llevan al centro de la imagen donde se encuentra la cabeza del personaje, el cual hace de eje de simetría entre la parte izquierda de la imágen y la derecha, siendo visualmente equitativo aunque aritmeticamente no lo sea.

También se observa una masa gris que tiene el suficiente peso visual para que la parte superior de la fotografía no se quede tan descompensada, ya que hay en esta parte una ausencia de textura en el cielo que genera un blanco pero que llega  molestar por la razón que he dicho.

La información más detallada se encuentra en la cara donde encontramos todos los detalles del hombre, bigote, puro, cuello, botón gabardina, información suficiente para hacernos una idea del perfil del hombre en cuestión, sin embargo, de cuello para abajo es una gran masa negra que nos está haciendo de eje central, evitando perdernos en los detalles secundarios de la calle.

La imagen leida de Izquierda a derecha te lleva al centro para acabar en el eje, lo mismo que si lo hicieramos al contrario.

En resumen se trata de una fotografía de corte clásico, de una composición equilibrada y muy bien compensada.

Men In Black

La vida es muy perra, pero se deja acariciar

La hora del té

Cuatro teorías sobre la expresión artística. (Sir Ernst H. Gombrich)

A lo largo de la historia podemos comprobar que dentro de la creación artística han habido diferencias a la hora de ser valorada. Es lógico pensar que en cada época, el pensamiento, las tendencias e incluso los momentos sociales, políticos y económicos hayan sido factores determinantes para marcar estas diferencias.

En este texto, Sir  Ernst H. Gombrich, reflexiona claramente sobre la expresión artísitca y diferencia tres teorías sobre el papel que ha empeñado el arte a lo largo de la historia.

En primer lugar habla de la expresividad artística en la antigüedad clásica, donde explica como el arte y otros agentes externos a él pueden influir en el comportamiento del individuo generando así una determinada reacción. Estas teorías ya eran defendidas y puestas de manifiesto por Platón y Aristóteles, donde el papel más importante de la comunicación humana lo jugó "la señal" como elemento provocador de emociones.

En segundo lugar establece otra teoría situada en el Renacimiento, donde explica que la expresión artística deja de ser "señal" para centrarse en lo simbólico o "el símbolo" así pues el arte ya no sólo genera una serie de reacciones al individuo/os sino que es capaz de transmitir y reflejar las emociones. El observador del arte puede sentir o no, pero ya no es el artista el que tiene que estar sintiendo en ese momento, puede tener la capacidad de reflejar a través de su arte.

Así, va a ser mucho más adelante, en el Romanticismo donde el arte ya no va a ser simplemente un reflejo de realidades y sentimientos hacia unos espectadores, ya en esta época se precisa que el propio autor sea el que está sintiendo eso que en sus obras manifiesta, de manera que si se sospecha que esto no ocurriera su obra perdía valor y esta teoría es la que ha perdurado hasta la actualidad.

Pero es en la teoría centrípeta de la expresión artística donde Gombrich pone de manifiesto que aunque lo anteriormente expuesto es cierto, está la necesidad de ir un poco más allá y afirmar que aunque el autor utilice los recursos a su antojo para expresar lo que siente, también existe en los propios recursos parte de este arte e igualmente son artífices del resultado. Sería una especie de feedback entre sentimientos, arte y recursos.

Pienso que aunque en estas teorías se afina bastante sobre lo que ocurre en la transmisión, recepción y percepción del arte, el mismo, es y será la forma más antigua de legado y comunicación que ha tenido la humanidad a lo largo de toda su historia y gracias a él hemos evolucionado para bien o para mal, pero nadie podrá discutir lo imprescindible que es.

Boas Ondas

:)

¡OH, Cielos!

Profundidad de campo

Llamamos profundidad de campo al rango de distancias en que los objetos de una fotografía aparecen nítidos, siendo cuatro los factores que influyen en ella: 

La apertura del diafragma:

a menor apertura del diafragma (nº f mayor), mayor profundidad de campo, y a mayor apertura del diafragma (nº f menor), menor profundidad de campo. 

La distancia al elemento fotografiado:

para una misma apertura del diafragma, la profundidad de campo aumentará al alejarnos del elemento, reduciéndose si nos alejamos.

La distancia focal:

a distancias focales más reducidas, mayor será la profundidad de campo, lo que se traduce en los milímetros de la focal utilizada (cuando utilizamos un teleobjetivo, no existe apenas profundidad de campo, obteniendo imágenes planas, mientras que si utilizamos un objetivo normal o angular, la profundidad será mayor).

El tamaño del círculo de confusión:

el círculo de confusión está constituido por los puntos de la imagen que se pueden apreciar nítidamente en la película fotográfica, sensor y capacidad visual normal. Cuando se percibe este círculo de confusión, podemos decir que esa región está fuera de la profundidad de campo. Influye en este factor el formato utilizado.

Mi cámara hace RAW

Aunque en un principio pudiera parecerlo, realmente no se trata de dos tipos de formato de imagen diferentes.

El formato RAW es un formato bruto, lo cual significa que recoge, sin pérdidas, toda la información que captura el sensor de la cámara. Ello implica una mayor calidad de la imagen y la posibilidad de una total libertad y excelentes resultados en el post-procesado.

Debido a que las distintas cámaras almacenan la información con diferentes extensiones (.CRW en Canon, .NEF Nikon, por ejemplo)  y por tanto en un formato exclusivo de cada marca, Adobe decidió crear el formato .DNG como formato abierto, válido para cualquier tipo de imagen, independientemente de su procedencia. De este modo, al convertir las imágenes a .DNG, éstas podrán ser procesadas, tras la toma, en cualquier sistema. Asimismo, esta opción ofrece una mayor garantía de perdurabilidad si alguno de los fabricantes dejara, en un futuro, de fabricar el software específico de su formato .RAW.

Fuente: J.M. Flores Zazo  

Gorka Lejarcegi

27/09/2012_KikeDiazdelRio. Gorka Lejarcegi (Murcia)