José Manuel Navia: un viaje a Mali

El pasado viernes 16 de noviembre vino a dar una conferencia José Manuel Navia sobre su proyecto un viaje a Mali y presentado por Mónica Lozano, tuvimos el placer de escuchar a un auténtico viajero, a un gran fotógrafo por tratarse a simple vista de un hombre claro, honesto, limpio y con un sentido del humor que de algún modo pudimos ver en su fotografía, su manera peculiar de ver el mundo.

Los que asistimos estuvimos en Mali con Navia, sentimos el olor del pan en los hornos de adobe, que vimos a través de sus ojos el desierto, navegamos por el río Níger a la luz del atardecer y oímos los rezos dentro de las mezquitas.

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Joan Costa. El lenguaje fotográfico. ¿Documento, arte o lenguaje?

Actitudes predominantes.

Toda obra es fruto de una acción material y de una disposición del ánimo, por tanto toda obra está determinada por la actitud del individuo y ésta acaba imprimiendo un carácter a la obra realizada. Pero a parte de esa actitud, se observa el reflejo de unas constantes psicológicas como la sensibilidad del individuo, las preferencias, las capacidades e intención, expresadas en su producción fotográfica.

Observando una fotografía podremos detectar la influencia que ha predominado en la actitud del fotógrafo.

Fotoperiodismo I: Gilles Caron (Francia)

Definición del término fotoperiodismo.

Digamos que el fotoperiodismo intenta narrar una noticia a partir de imágenes o apoyar un texto que ha de ser noticia. En una sociedad en la que la realidad la construyen los medios de comunicación, el apoyo de la fotografía contribuye a dar credibilidad al hecho que se está narrando. Entonces podemos asegurar que, si un reportaje de un diario va acompañado de una fotografía, no nos cabe la menor duda de que aquello que estamos leyendo es verdad. Esta supremacía de la imagen ha estado ligada al desarrollo de la tecnología y de la sociedad en general.

Breve historia del fotoperiodismo. Como hemos dicho en la definición, los orígenes de la noticia ilustrada fue el momento en el cual se acompañó el texto con imágenes. Estos orígenes están estrechamente unidos a una serie de desarrollos tecnológicos en las técnicas de impresión que posibilitaron reproducir los tonos de grises de las fotografías en papel. Hasta entonces las noticias eran ilustradas por grabadores, éstos reproducían las fotografías en unas madera que eran entintadas y el resultado era un dibujo artesanal en blanco y negro. Estos grabados provenían de dibujos pero cuando lo hacían de fotografías lo reflejaban con la mención “sacado de una fotografía”. Fue en Norte América donde el 4 de marzo de 1880 se imprimió la primera fotografía por un nuevo procedimiento denominado "halftone". Apareció en el Daily Herald de Nueva York y era de una fotografía titulada "Shantytown" (barracas). Este procedimiento consistía en reproducir una fotografía a través de una pantalla tramada que la divide en una multitud de puntos. Se pasa luego el cliché obtenido bajo una prensa al mismo tiempo que el texto compuesto. Este procedimiento es lo que hoy, aunque bastante mejorado, es la tipografía.

Grandes fotógrafos de la historia, Berenice Abbott.

Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield.

Fotógrafa estadounidense famosa por su magnífica serie documental sobre la arquitectura y diseño urbano de la ciudad de Nueva York en los años 30, también destacó por su trabajo innovador en el campo de la física.

Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar escultura y dibujo en las ciudades de Nueva York, París y Berlín.

Pero fue a partir de los años 20 cuando se dedicó a la fotografía, debido a la influencia de su paisano surrealista Man Ray, del cual trabajo junto a él como asistente de laboratorio.
De la mano de Man Ray conoció a Eugène Atget, con el que trabajó intensamente y le transmitió sus formas de hacer en la fotografía documental, ya que establecieron una estrecha colaboración hasta la muerte del mismo en 1927.
Consiguió adquirir gran parte de su archivo, que custodió y empleó hasta cederlo en 1968 al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas. Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte.
Regresó a Nueva York en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado "Changing New York", que ofrece todo un documento sistematizado de los cambios arquitectónicos que se fueron produciendo en esta ciudad, sobre un encargo de la Administración.
Entre los años 40 y 60 se dedicó intensamente a la publicación de libros y al estudio, desde la fotografía, de diferentes y variados fenómenos físicos.
Impartió clases y se dedicó a la realización de sus trabajo denominados "Ciencia" y "Escenas Americanas".
En uno de sus proyectos, que versaba sobre la documentación de la Carretera Nacional 1, que discurre desde Florida a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9 de Diciembre de 1991.

SGAE

La publicidad ha muerto ¡Larga vida a la publicidad!

Joan Fontcuberta y la naturaleza de la fotografía

A lo largo de la historia vemos como han habido y habrán diferentes teorías sobre la definición de lo que es la fotografía, debido a su peculiar y complejo proceso que tiene para que esta sea y haya sido fijada y que nos hace planteranos dos cuestiones fundamentales ¿cómo? es decir medios, materiales, estaríamos hablando de un criterio de génesis tecnológica y ¿para qué? si estamos refiriendo a un criterio de funcionalidad.

En las tinieblas de mi imaginación mi mirada trabaja a plena luz

Análisis compositivo

En la fotografía de Cartier Bresson observamos una clara conducción de líneas marcada por la base de los árboles de este paseo o avenida, y también por las ramas de estos mismos que te llevan al centro de la imagen donde se encuentra la cabeza del personaje, el cual hace de eje de simetría entre la parte izquierda de la imágen y la derecha, siendo visualmente equitativo aunque aritmeticamente no lo sea.

También se observa una masa gris que tiene el suficiente peso visual para que la parte superior de la fotografía no se quede tan descompensada, ya que hay en esta parte una ausencia de textura en el cielo que genera un blanco pero que llega  molestar por la razón que he dicho.

La información más detallada se encuentra en la cara donde encontramos todos los detalles del hombre, bigote, puro, cuello, botón gabardina, información suficiente para hacernos una idea del perfil del hombre en cuestión, sin embargo, de cuello para abajo es una gran masa negra que nos está haciendo de eje central, evitando perdernos en los detalles secundarios de la calle.

La imagen leida de Izquierda a derecha te lleva al centro para acabar en el eje, lo mismo que si lo hicieramos al contrario.

En resumen se trata de una fotografía de corte clásico, de una composición equilibrada y muy bien compensada.

Men In Black

La vida es muy perra, pero se deja acariciar

La hora del té

Cuatro teorías sobre la expresión artística. (Sir Ernst H. Gombrich)

A lo largo de la historia podemos comprobar que dentro de la creación artística han habido diferencias a la hora de ser valorada. Es lógico pensar que en cada época, el pensamiento, las tendencias e incluso los momentos sociales, políticos y económicos hayan sido factores determinantes para marcar estas diferencias.

En este texto, Sir  Ernst H. Gombrich, reflexiona claramente sobre la expresión artísitca y diferencia tres teorías sobre el papel que ha empeñado el arte a lo largo de la historia.

En primer lugar habla de la expresividad artística en la antigüedad clásica, donde explica como el arte y otros agentes externos a él pueden influir en el comportamiento del individuo generando así una determinada reacción. Estas teorías ya eran defendidas y puestas de manifiesto por Platón y Aristóteles, donde el papel más importante de la comunicación humana lo jugó "la señal" como elemento provocador de emociones.

En segundo lugar establece otra teoría situada en el Renacimiento, donde explica que la expresión artística deja de ser "señal" para centrarse en lo simbólico o "el símbolo" así pues el arte ya no sólo genera una serie de reacciones al individuo/os sino que es capaz de transmitir y reflejar las emociones. El observador del arte puede sentir o no, pero ya no es el artista el que tiene que estar sintiendo en ese momento, puede tener la capacidad de reflejar a través de su arte.

Así, va a ser mucho más adelante, en el Romanticismo donde el arte ya no va a ser simplemente un reflejo de realidades y sentimientos hacia unos espectadores, ya en esta época se precisa que el propio autor sea el que está sintiendo eso que en sus obras manifiesta, de manera que si se sospecha que esto no ocurriera su obra perdía valor y esta teoría es la que ha perdurado hasta la actualidad.

Pero es en la teoría centrípeta de la expresión artística donde Gombrich pone de manifiesto que aunque lo anteriormente expuesto es cierto, está la necesidad de ir un poco más allá y afirmar que aunque el autor utilice los recursos a su antojo para expresar lo que siente, también existe en los propios recursos parte de este arte e igualmente son artífices del resultado. Sería una especie de feedback entre sentimientos, arte y recursos.

Pienso que aunque en estas teorías se afina bastante sobre lo que ocurre en la transmisión, recepción y percepción del arte, el mismo, es y será la forma más antigua de legado y comunicación que ha tenido la humanidad a lo largo de toda su historia y gracias a él hemos evolucionado para bien o para mal, pero nadie podrá discutir lo imprescindible que es.