Abismo

Abismo, es la sensación que he tenido cuando ya sabía que no podía ir más abajo. Basado en un fragmento del mejor anime ciberpunk de todos los tiempos "Ghost In The Shell: Stand Alone Complex" de Mamoru Oshii, éste describe muy bien el sentir de un ser humano cuando se pregunta cual es su razón de ser, su origen, su por qué y para qué está en este mundo. Me gusta este fragmento porque corresponde a la gran reflexión que hace de su existencia la Mayor Motoko Kusanagi, personaje principal del film, sobre la cual gira toda la historia, con la peculiaridad que detrás de estas reflexiones tan humanas se esconde un ciborg. También me gusta porque pone de manifiesto la analogía que encuentro con el mundo de la fotografía.

Abismo

Mi primera placa.

Mi primer retrato con cámara de placa. 2013.

Este es el resultado de mi primer contacto con una cámara de placas y un cartucho de Polaroid de gran formato un poquito pasado de rosca ;). Si he dicho bien, esa cámara como las de antaño, aquellas en las que el fotógrafo se tenía que cubrir la cabeza con una tela negra para poder ver bien el encuadre de la toma. Sin duda toda una experiencia en positivo y sobre todo otra manera desconocida para mi de fotografiar porque te obliga a planificar antes y por lo tanto a estar más presente en tu yo fotográfico.

Durante estos últimos meses la he manipulado y he realizado un proyecto con ella, cámara para arriba, cámra para abajo y ahora valoro mucho entiendo y valoro mucho más la vida de tantos y tantos fotógrafos que han dedicado su vida a esta noble profesión.

Presbicia

Queridos Pixel y Dixel:

Parece que fue ayer cuando empezásteis a acariciarme con vuestras radiaciones catódicas, mis ojos no apostaban por esta relacción, pero a pesar de todo han transcurrido los años y no sólo hemos pasado momentos inseparables, han surgido nuevas y entrañables amistades. ¿Verdad Presbicia? ¿Recuerdas cuando me presentaste a tus primas las dioptrías, que bonita relación tenemos desde entonces, mientras me alejo de las cosas para poder sentirlas cerca, ellas sin embargo se crecen conmigo cada día. Si no llega a ser por vosotras hoy no podría caminar junto a mi fiel compañera las gafas. Por eso, como habéis hecho durante todo este tiempo conmigo, no puedo hacer más que acelerarme y adelantarme en el agradecimiento de mi nueva condición. 

P.D. Los ojos os envían muchos recuerdos.

Hotel • Italy • Horror

Hotel Italy Horror es una visión inquietante de todo aquello que en apariencia es inocente y sencillo. Es andar sobre tus propios pasos e ir rescatando los fotogramas del suspense que encierran un paseo nocturno. Es alojarte en un hotel de puertas abiertas y oir como se cierran a tus espaldas. Es dormir en esa habitación vacía y saber que ahí hay alguien. Es la intriga que encierra un escaparate a la vuelta la esquina. Es todo aquello que te enseñan los espejos pero también lo que esconden. Es la espera de una llamada que nunca llega. Son esos personajes anónimos y estáticos cargados de personalidad oscura, deseando ser observados por ojos llenos de inquietud.

Ucronía.

"Ucronía I" - Día del Libro (23 de abril)

"Ucronía"

El lunes pasado me preguntaron cual era el título de mi fotografía seleccionada para la exposición del Día del Libro (23 de abril) que tendrá lugar en el Archivo Regional de la Región de Murcia.

Reconozco que en ese instante, mi cerebro resentido últimamente por el cansancio de vida que llevo, no fue capaz de proporcionarme un título. Esa misma noche me puse en contacto con mi querida amiga y joven escritora Bea Martín Martín intuyendo lo apasionada lectora que es. Le expliqué brevemente mi fotografía, diciéndole que escogí representar el instante en el cual se sumerge alguien cuando está devorando un libro y no lo puede dejar ni para beber agua. Mi intuición fue cierta cuando al responderme me dice:

"Como bien dices, sería imposible que a cualquier lector que se precie esto no le hubiese ocurrido nunca.

Me parece una sensación preciosa la de estar "enganchado" a un libro porque, mientras estás dentro de él, dejas de vivir tu propia realidad para entrar en otra alternativa de la que eres sólo mero espectador. El hecho de leer compulsivamente es algo como vivir otra vida. Como vivir en un universo donde las cosas pueden cambiar, ser opuestas a como lo fueron y donde infinidad de posibilidades tienen cabida.

Por ello he pensado en el término "Ucronía". Y he visto que complementa muy bien a la imagen y a su significado.

"Ucronía" es un género literario donde la historia transcurre en un mundo alternativo del pasado en el que algún acontecimiento sucedió de forma diferente a como ocurrió en realidad. No es más que huir de ese mundo en el que las cosas sucedieron de otra manera a como lo hicieron, y en donde nos refugiamos al leer sin poder detenernos.

Su significado etimológico (según wikipedia) es: «tiempo que no existe» o «tiempo que no existió».

Te dejo el enlace de wikipedia:http://es.wikipedia.org/wiki/Ucron%C3%ADa".

Gracias de nuevo Bebi ;)

"Ucronía II" 

"Ucronía III" 

Taller de revelado B&N en el Horno de Luz

El pasado sábado 9 de febrero fui partícipe del taller "Revelado en blanco y negro" en el horno de luz impartido por Juana Requena.

No puedo decir otra cosa que me encantó escuchar de manos de un artista los pros y contras del revelado de este tipo de fotografía. El taller se desarrolló en su casa, y fue ahí donde me di cuenta que este "zagal" era algo más que un buen fotógrafo, toda su casa respiraba creación y dedicación a lo que se le nota por todos los poros que es su pasión.

Entre libros, fotografías y cámaras se fue desarrollando el taller en buena compañía. Nos acercamos un poquito más a este proceso hoy en día se podría decir que pertenece al mundo de lo artesanal, vimos todos las fases del revelado, tablas de tiempos, materiales e instrumentos necesarios para hacer un revelado casero, pero que vienen muy bien saberlas para afrontar algo de mayor envergadura.

Escribo, reflexiono, luego existo

¿Estaré ensanchando el alma? ¿Se estará ennegreciendo? Según mis cálculos matemáticos, y si mi "concienciología" no me engaña, cuando atravieso por estas complejas metamorfosis llegan a mi, personas, cosas, hechos, de una importante envergadura melómana. Debe ser el instinto, o el simple reconocimiento de algo de mí en ellos.

También observo en estas mutaciones una creciente pero placentera necesidad de escribir, de crear, que casi siempre va acompañada de un estado de melancolía sin igual. Es como si todo mi yo supiera que se tiene que despedir de algo con lo que ha convivido durante mucho tiempo y sabe que nunca más volverá. Generalmente, no me considero una persona que se mueve en el apego. Suelo ser, como diría mi santa madre, un "desprendío". Cierto es, siempre lo he sido.

Sea lo que fuere, y en este caso, desde mi ignorancia, modestía y prudencia, me permito afirmar que hay alguien por ahí que le sucede de igual forma, es decir, le encanta escribir y expresarse con palabras, y eso que las palabras son el residuo de algo que es más.

Por eso siempre diré que las palabras, habladas o escritas, son el remanente del corazón después de residir en nuestra mente.

En blanco y negro. Manuel Sonseca

Precisamente ayer fue cuando descubrí fugazmente y de casualidad a Manuel Sonseca. Todo fue gracias a "un compañero", el cual llevaba entre otros libros éste en concreto. Lo ojeé rápido y algo me punzó, como díría Roland Barthes y permitiéndome la broma, me dió en todo el punctum.

Efectivamente al llegar a casa lo busqué y descubrí un fotógrafo que me resonaba a algo familiar, no se si porque he tenido la enorme suerte de visitar aquellos lugares donde él también ha estado, como es el caso de Berlín, pero reconocí en sus fotografías los sitios donde me detenía recogiendo instantes muy parecidos.

Investigando un poquito más se que este libro se presentó en Madrid y es de la colección "El ojo que ves" del Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler.

Sin duda un grato descubrimiento que me llevará a otros más, todo apunta a ello a poco que profundice en la colección.

Alberto García - Alix. AUTORRETRATO (mailcultura)

La Virreina Centre de la Imatge presenta Autorretrato, la primera gran exposición dedicada a Alberto García-Alix en Barcelona. Del 07.02.2013 hasta 05.05.2013.

Autorretrato, la primera gran exposición monográfica dedicada a Alberto García-Alix (León, 1956) en Barcelona, es un proyecto en primera persona mediante el cual el autor nos acerca a la comprensión de una parte clave de su obra: aquella que versa directamente sobre sí mismo.

Alberto García-Alix es uno de los intérpretes más importantes de la fotografía internacional contemporánea. Desde sus comienzos como fotógrafo, el esfuerzo de mirarse, de encontrarse consigo mismo a través del ejercicio fotográfico, se convierte en una constante en su trabajo. Es difícil hallar en la producción de este autor alguna pieza que no sea intensamente autorreferencial. Se podría incluso afirmar que toda su obra, en conjunto, forma un gran autorretrato.

Visionados MUBAM enero 2013

Foto: Mercedes Fitipaldi

El miércoles pasado en el museo MUBAM la asociación de fotografia Cienojos de Murcia, organizó en colaboración con el Museo de Bellas Artes, la 2º sesión de visionado de portfolio 2013.

Los fotógrafos seleccionados fueron, Juan González Fornes, con sus proyectos "Dishabitats" y "Disurbe", Mercedes Fittipaldi, con "Bailarina en Rojo" y "Bajofondo", Cynthia Nudel, “Underworld” y “Naturaleza artificial”.

"Siempre me quedará la India"

India, I think_david jimenez

Hace unos días nos visitó David Jiménez. Y nos llevó de viaje por la India a través de su mirada a todos los que nos encontrábamos allí.

Es curioso observar como alguien un día se topa con un mundo y a raíz de ese encuentro, uno no puede dejar de volver una y otra vez a ese lugar donde se siente especial, se siente de allí.

Nos explicaba con entusiasmo la acogida que le supuso la India, mientras otros pueden ver color, pobreza, necesidad y penuria, David veía una realidad que se mantiene en el límite del sueño.

Herederos de August Sander

August Sander, Autorretrato, 1951

He escogido a los fotógraf@s, Paz Errázuriz y Diane Arbus como herederos de August Sander, 

Por encontrar las siguientes similitudes:

• Utilizar el retrato para el análisis de lo estereotipado y la identidad.
• Hacer uso de la catalogación como método de trabajo de una manera documental y artística.
• Estilo estético y objetivo en todas las fotografías (seriación).
• Tensión entre lo que se muestra y se oculta.
• Los retratos poseen aspectos y elementos vitales comunes en todos los seres humanos.
• Retrata a gente de diversas edades, etnias y con un contexto social común, la pobreza, pero están captados de igual manera, con dignidad y elegancia.

¿Quién seré yo?

Desde niño siempre he creído que tenía el cometido de hacer algo que realmente fuese importante, quizás la fantasía de la fama de ser un gran inventor y ver en el cine de mi imaginación esa escena era suficiente para afrontar todo lo que la vida me ponía delante.

Afortunadamente uno va creciendo, va tomando decisiones y de una manera más o menos acertada va configurando su propia vida.

El caso es, que siempre hay algo significativo que pasa por ella de una manera especial, hasta tal punto de parecer que una sacudida nos ha agitado toda nuestra persona. Probablemente todo el mundo al menos recuerda con claridad un momento así, a lo mejor para otros, esto es el mundo de la ilusión, no importa, yo se que tarde o temprano ese momento les llegará.

Particularmente en mi, fue un regalo de vida, con 18 me encontré compartiéndola con lo que yo llamo mi gran amor blanco, la Antártida. A raíz de ese suceso empecé a experimentar algo que no soy capaz de describir con exactitud, pero si estoy seguro que algo en mí empezó...

Efectivamente, empecé a mirar de otra manera, queriendo que todo el mundo viera lo que yo, quizás porque cuando estuve ahí abajo, lo hice sólo y nadie más lo vió.

Retrato de entrevista: Moisés Yagües

El trabajo a realizar son unos retratos de entrevista a Moisés Yagües, un joven artista y director docente de Molina de Segura para la publicación de algún dominical o revista cultural de algún periódico.

"AHÍ OS QUEDÁIS" / DON´T HAPPY, BE WORRY / MOISÉS YAGÜES

¿Pero quién es Moisés Yagües?

Al contemplar la obra de Moisés Yagües, la primera impresión que nos queda es la de una producción simpática y divertida en la que él trabaja de un modo muy personal el dibujo y las técnicas gráficas. Pero conforme vas profundizando en sus cuadros te das cuenta que tras una apariencia fresca y lúdica, aflora una punzante ironía, que aun se potencia más por la excelente elección de los títulos. Unas obras inteligentes y ácidas en las que el autor reflexiona sobre la condición humana, las relaciones personales y los problemas sociales.

En su taller, rodeado de cuadros, pinceles, libros, pinturas, papeles, lápices y cualquier cosa que le sirve para crear su obra, Moisés, me acoge en su casa, con el fin de realizarle los retratos. Decido que no es su rasgo familiar y amable el que quiero destacar, si no que me centro en su lado más serio, cuando trabaja y que mejor lugar que su taller que tiene en el sótano de su casa.

El sótano goza de buena iluminación, una de sus puertas es totalmente acristalada por lo que me proporciona un aspecto natural y así evito la utilización del flash.

José Manuel Navia: un viaje a Mali

El pasado viernes 16 de noviembre vino a dar una conferencia José Manuel Navia sobre su proyecto un viaje a Mali y presentado por Mónica Lozano, tuvimos el placer de escuchar a un auténtico viajero, a un gran fotógrafo por tratarse a simple vista de un hombre claro, honesto, limpio y con un sentido del humor que de algún modo pudimos ver en su fotografía, su manera peculiar de ver el mundo.

Los que asistimos estuvimos en Mali con Navia, sentimos el olor del pan en los hornos de adobe, que vimos a través de sus ojos el desierto, navegamos por el río Níger a la luz del atardecer y oímos los rezos dentro de las mezquitas.

Fotoperiodismo I: Gilles Caron (Francia)

Definición del término fotoperiodismo.

Digamos que el fotoperiodismo intenta narrar una noticia a partir de imágenes o apoyar un texto que ha de ser noticia. En una sociedad en la que la realidad la construyen los medios de comunicación, el apoyo de la fotografía contribuye a dar credibilidad al hecho que se está narrando. Entonces podemos asegurar que, si un reportaje de un diario va acompañado de una fotografía, no nos cabe la menor duda de que aquello que estamos leyendo es verdad. Esta supremacía de la imagen ha estado ligada al desarrollo de la tecnología y de la sociedad en general.

Breve historia del fotoperiodismo. Como hemos dicho en la definición, los orígenes de la noticia ilustrada fue el momento en el cual se acompañó el texto con imágenes. Estos orígenes están estrechamente unidos a una serie de desarrollos tecnológicos en las técnicas de impresión que posibilitaron reproducir los tonos de grises de las fotografías en papel. Hasta entonces las noticias eran ilustradas por grabadores, éstos reproducían las fotografías en unas madera que eran entintadas y el resultado era un dibujo artesanal en blanco y negro. Estos grabados provenían de dibujos pero cuando lo hacían de fotografías lo reflejaban con la mención “sacado de una fotografía”. Fue en Norte América donde el 4 de marzo de 1880 se imprimió la primera fotografía por un nuevo procedimiento denominado "halftone". Apareció en el Daily Herald de Nueva York y era de una fotografía titulada "Shantytown" (barracas). Este procedimiento consistía en reproducir una fotografía a través de una pantalla tramada que la divide en una multitud de puntos. Se pasa luego el cliché obtenido bajo una prensa al mismo tiempo que el texto compuesto. Este procedimiento es lo que hoy, aunque bastante mejorado, es la tipografía.

Grandes fotógrafos de la historia, Berenice Abbott.

Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield.

Fotógrafa estadounidense famosa por su magnífica serie documental sobre la arquitectura y diseño urbano de la ciudad de Nueva York en los años 30, también destacó por su trabajo innovador en el campo de la física.

Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar escultura y dibujo en las ciudades de Nueva York, París y Berlín.

Pero fue a partir de los años 20 cuando se dedicó a la fotografía, debido a la influencia de su paisano surrealista Man Ray, del cual trabajo junto a él como asistente de laboratorio.
De la mano de Man Ray conoció a Eugène Atget, con el que trabajó intensamente y le transmitió sus formas de hacer en la fotografía documental, ya que establecieron una estrecha colaboración hasta la muerte del mismo en 1927.
Consiguió adquirir gran parte de su archivo, que custodió y empleó hasta cederlo en 1968 al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas. Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte.
Regresó a Nueva York en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado "Changing New York", que ofrece todo un documento sistematizado de los cambios arquitectónicos que se fueron produciendo en esta ciudad, sobre un encargo de la Administración.
Entre los años 40 y 60 se dedicó intensamente a la publicación de libros y al estudio, desde la fotografía, de diferentes y variados fenómenos físicos.
Impartió clases y se dedicó a la realización de sus trabajo denominados "Ciencia" y "Escenas Americanas".
En uno de sus proyectos, que versaba sobre la documentación de la Carretera Nacional 1, que discurre desde Florida a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9 de Diciembre de 1991.

Joan Fontcuberta y la naturaleza de la fotografía

A lo largo de la historia vemos como han habido y habrán diferentes teorías sobre la definición de lo que es la fotografía, debido a su peculiar y complejo proceso que tiene para que esta sea y haya sido fijada y que nos hace planteranos dos cuestiones fundamentales ¿cómo? es decir medios, materiales, estaríamos hablando de un criterio de génesis tecnológica y ¿para qué? si estamos refiriendo a un criterio de funcionalidad.

Análisis compositivo

En la fotografía de Cartier Bresson observamos una clara conducción de líneas marcada por la base de los árboles de este paseo o avenida, y también por las ramas de estos mismos que te llevan al centro de la imagen donde se encuentra la cabeza del personaje, el cual hace de eje de simetría entre la parte izquierda de la imágen y la derecha, siendo visualmente equitativo aunque aritmeticamente no lo sea.

También se observa una masa gris que tiene el suficiente peso visual para que la parte superior de la fotografía no se quede tan descompensada, ya que hay en esta parte una ausencia de textura en el cielo que genera un blanco pero que llega  molestar por la razón que he dicho.

La información más detallada se encuentra en la cara donde encontramos todos los detalles del hombre, bigote, puro, cuello, botón gabardina, información suficiente para hacernos una idea del perfil del hombre en cuestión, sin embargo, de cuello para abajo es una gran masa negra que nos está haciendo de eje central, evitando perdernos en los detalles secundarios de la calle.

La imagen leida de Izquierda a derecha te lleva al centro para acabar en el eje, lo mismo que si lo hicieramos al contrario.

En resumen se trata de una fotografía de corte clásico, de una composición equilibrada y muy bien compensada.

Cuatro teorías sobre la expresión artística. (Sir Ernst H. Gombrich)

A lo largo de la historia podemos comprobar que dentro de la creación artística han habido diferencias a la hora de ser valorada. Es lógico pensar que en cada época, el pensamiento, las tendencias e incluso los momentos sociales, políticos y económicos hayan sido factores determinantes para marcar estas diferencias.

En este texto, Sir  Ernst H. Gombrich, reflexiona claramente sobre la expresión artísitca y diferencia tres teorías sobre el papel que ha empeñado el arte a lo largo de la historia.

En primer lugar habla de la expresividad artística en la antigüedad clásica, donde explica como el arte y otros agentes externos a él pueden influir en el comportamiento del individuo generando así una determinada reacción. Estas teorías ya eran defendidas y puestas de manifiesto por Platón y Aristóteles, donde el papel más importante de la comunicación humana lo jugó "la señal" como elemento provocador de emociones.

En segundo lugar establece otra teoría situada en el Renacimiento, donde explica que la expresión artística deja de ser "señal" para centrarse en lo simbólico o "el símbolo" así pues el arte ya no sólo genera una serie de reacciones al individuo/os sino que es capaz de transmitir y reflejar las emociones. El observador del arte puede sentir o no, pero ya no es el artista el que tiene que estar sintiendo en ese momento, puede tener la capacidad de reflejar a través de su arte.

Así, va a ser mucho más adelante, en el Romanticismo donde el arte ya no va a ser simplemente un reflejo de realidades y sentimientos hacia unos espectadores, ya en esta época se precisa que el propio autor sea el que está sintiendo eso que en sus obras manifiesta, de manera que si se sospecha que esto no ocurriera su obra perdía valor y esta teoría es la que ha perdurado hasta la actualidad.

Pero es en la teoría centrípeta de la expresión artística donde Gombrich pone de manifiesto que aunque lo anteriormente expuesto es cierto, está la necesidad de ir un poco más allá y afirmar que aunque el autor utilice los recursos a su antojo para expresar lo que siente, también existe en los propios recursos parte de este arte e igualmente son artífices del resultado. Sería una especie de feedback entre sentimientos, arte y recursos.

Pienso que aunque en estas teorías se afina bastante sobre lo que ocurre en la transmisión, recepción y percepción del arte, el mismo, es y será la forma más antigua de legado y comunicación que ha tenido la humanidad a lo largo de toda su historia y gracias a él hemos evolucionado para bien o para mal, pero nadie podrá discutir lo imprescindible que es.