La cámara lúcida. Roland Barthes

Roland Barthes

Barthes era un crítico literario y estructuralista francés. Parte de su obra es una reflexión sobre la condición histórica del lenguaje literario y una tentativa de constituir una semiología de la moda hasta demostrar la pluralidad significativa de un texto literario. Algunas obras reflejan su crisis como creador.

Su obra literaria se fundamenta en un método crítico desarrollado a partir del marxismo, del psicoanálisis y especialmente de la lingüística estructuralista. Defiende la consideración de la obra literaria desde un sistema de significaciones distinto del análisis tradicional, haciendo una valoración del texto por sí mismo.

En "La cámara lúcida" lejos de encontrarnos un análisis teórico, hallamos una interpretación afectiva de la fotografía.

El libro es un tratado perfecto del tiempo, de la nostalgia y de la muerte. Se ocupa del lenguaje que surge en torno a la muerte; es un trabajo sobre la fotografía que contiene a la vez una reflexión sobre la muerte.

Susan Sontag. Ante el dolor de los demás

Susan Sontag _ Annie Leibovitz

Como siempre, es imposible quedarse de la misma manera después de leer a Sontag , así pues voy a exponer algunas de las reflexiones que hago sobre el texto "Ante el dolor de los demás".

En primer lugar es obvio aclarar que en el conjunto de la sociedad, siempre existirán diferentes posicionamientos con respecto a la guerra. Parece lógico y normal que todo el mundo repudie el acto bélico, ya que lleva asociado un acto que nace de la violencia.

Pero también parece ser, que cuando el conflicto está a miles de kilómetros de nuestras casas, debido a que, o bien por la distancia, o porque nos es ajeno, o bien porque estamos ya demasiado acostumbrados a la guerra, no nos afecta de una manera tan directa.

Apropiacionismo. Glamour to Kill.

GLAMOUR TO KILL from drkikemon on Vimeo.

El apropiacionismo es un movimiento artístico que basa su discurso en el procedimiento de la apropiación. En el mundo de las artes visuales, este término se refiere, al uso de elementos tomados para la creación de una nueva obra, ya sea pintura, escultura o incluso poesía. Como el famoso caso de "La fuente (urinario)" de Marcel Duchamp en 1917.

La fuente (urinario)". Marcel Duchamp. 1917.

El mundo de la fotografía no podía ser menos, así pues, estos elementos tomados prestados son imágenes, formas, estilos de la historia del arte o de la cultura popular, o bien materiales o técnicas obtenidas de un contexto no artístico.

La foto que no hice. Una parada a tiempo.

Han pasado casi 25 años desde que este rebelde desconocido, "El héroe de Tiananmen", se pusiera delante de esos tanques y le parara los pies a la opresión. Siempre que veo esta fotografía me estremezco y fantaseo, en como me hubiese gustado estar ahí y haber tomado yo esta fotografía tan impactante, por todo lo que simboliza, y porque hacen falta imágenes de este tipo en nuestros días para que ocurra ese cambio tan necesario que tanta falta le hace a este mundo.

"El hombre tanque" Jeff Widener. 1989. Agencia Associated Press.

Ya que no pude en 1989 realizar esta fotografía le dedico las siguientes palabras a este momento histórico.

Desde el comienzo de todos los tiempos la humanidad ha ido despertando en cada paso que daba en su singular paseo de lo que hoy entendemos como vida.

Hoy, un exceso de información y el continuo afán de informatizar y unificar todos los procesos hechos por la humanidad en beneficio de sistemas, hacen que nuestra percepción y modo de vida se hayan visto modificados para que unos pocos puedan vivir en paz y a sus anchas mientras que otros muchos luchan por lo más básico. No nos damos cuenta que juntos somos una gran masa y tenemos el poder de detener la marcha de cualquier injusticia.

Por eso el verdadero avance no es seguir caminando, sino pararlo todo para saber si estos pasos han sido bien dados.

La foto que no hice. Juego de niños.

Fotografía anónimo. Fuente: google. 

Corren tiempos difíciles para la humanidad, hombres racionales que creen vivir en paz mientras niños en tranquilidad juegan a la guerra.
Cambios necesarios de ocurrir pero que nunca llegan.
Miedo a lo nuevo porque transformar lo establecido no es rentable para esos hombres de paz.
Que los niños hablen y luchen con sus juegos porque sus palabras son verdades y sus distracciones realidades.
Que los hombres aprendan y escuchen porque sus verdades no son buenas palabras y sus realidades son distracciones.

¿Por qué y para qué fotografío?

Boas Ondas. 2012

Siempre que me hago estas dos preguntas me doy diferentes respuestas, pero en esencia, creo que es por darle un sentido a todo lo que me rodea y contentarme con la idea de que una fotografía me lo va a explicar todo.

En un principio, el porqué hago fotografía obedecería a la necesidad de capturar imágenes, instantes. Es una necesidad de comunicar mi realidad para completar esa gran realidad colectiva. Sería como la aportación de mi granito de arena.

Me gusta la idea de representar la realidad y establecer el juego de fusionarla con la imaginación. Es como mi propia novela, mi propia película, sólo que noto siempre, que hay un ligero toque de denuncia sistemática a lo que nos dicen que es real.

También existe una razón menos íntima, hay una necesidad en mi de salir de ese mundo del encargo tan agresivo al que he estado expuesto, he trabajado siempre para que otros saquen el rendimiento de mi creatividad con fines comerciales. Después de tanto tiempo, "debe ser el cansancio, la madurez", uno no quiere servir más a tales fines de venta, o por lo menos no de una manera tan obvia y tan presente. 

He visto demasiadas veces la transformación que ha sufrido mi proceso creativo para adaptarlo a los criterios de otros. Aunque se que la fotografía tiene sus similitudes con el mundo del diseño, parece ser que no está sujeta a ese cambio tan inmediato, al fin y al cabo la fotografía se queda hecha, el diseño, a no ser que se guarde en sus distintas fases de creación, está sujeto al continuo cambio.

Y otra gran razón es el gusto de encuadrar y fragmentar, siempre y cuando me nazca de dentro, porque en cuanto me veo forzado a ello ya no soy yo el que encuadra, es la cámara.

Sin embargo el para qué fotografío es para comunicar un sentir, una reflexión de este mundo tan perfectamente real, tan lleno de tecnología y megapixeles. Es intentar al menos que alguien entienda y acepte que hay tantas realidades como individuos existen pero que todas esas realidades forman el conjunto de una sola.

Otro fin, no menos importante para mi, es la particular "fototerapia" que me supone en ocasiones, es una manera de exteriorizar lo que en su día se quedó dentro. Aunque la intención no es permanecer en ese aspecto terapéutico, sino algo de más envergadura, utilizar mi mirada para que pueda servir a los demás.

La foto que no hice. ¡Cumpleaños Feliz!

Siempre que intento ponerle una imagen a mis cumpleaños, nunca consigo imaginármela con claridad. Repaso mentalmente el archivo fotográfico familiar, y salvo un par de fotografías con los mofletes rebosantes de aire a punto de soplar, no hay mucho más.

Sin embargo recuerdo perfectamente el nerviosismo que sentía en esos aniversarios. El día de antes que no dormía, la fiesta del cumple, mis amigos, mis hermanas, mis primos..., el jaleo, los regalos, los globos, la piñata, recuerdo que era el día donde con un poco de suerte y audacia podías pegarle un sorbo a una cocacola y no a una fanta, los panchitos, los sandwichs variados, los cacahuetes, las aceitunas, la tarta, las velas, el soplido hasta quedarte sin aire para no dejarte ni una encendida, los sugus, tu madre diciendo: ¡MASTICA, QUE TE DOLERÁ LA TRIPA!, el dolor de tripa esa misma noche e innumerables detalles que hacían ese día fuese especial e inolvidable.

Luego, con el tiempo, uno va creciendo y todas esas cosas se llegan a olvidar o simplemente las transformamos en otras. Y yo me pregunto: ¿no podría volver a esos días de cumpleaños y tomar "yo" esas fotografías que no realicé? Seguro que al mirarlas, después de tanto tiempo, acabaría sintiéndome como un crío de nuevo.

Entre la ilusión de lo real y la memoria. Evgen Bavcar.

La verdad es, que el texto de Evgen Bavcar, este fotógrafo ciego, me ha conmovido por varias razones. Mientras uno piensa y reflexiona el porqué y para qué quiere fotografiar, no se da cuenta a veces, que volcamos todo nuestro ser, en lo que la mayoría de la gente cree que esta fundamentado el arte de fotografiar, la vista. 

Creemos erroneamente que la mirada está en relación directa con el ojo y no es así, porque lo que nos cuenta Evgen Bavcar es ni más ni menos que un día dejó de ver con los ojos pero empezó a mirar. Que al fin y al cabo es en lo que insisten muchos teóricos, la mirada. Sólo que en este caso es como sacar de la cámara oscura de su mente todas esas fotografías que él no pudo llegar a hacer cuando veía.

Es enternecedor como este fotógrafo describe esas caricias de luz y con que respeto habla de la sombra, elogiándola y afirmando que aquello que pertenece a la sombra es porque no pertenece al mundo de la luz y ese es el sitio en el cual debe permanecer.

"Las relaciones que existen entre los cuerpos y la luz crean también el fenómeno de las sombras y a veces el efecto Casimir. Se trata de la desaparición de objetos en las tinieblas, allí donde ni siquiera la luz puede alcanzarles. Gracias a este juego, al nacer tenemos la posibilidad de conservar destellos tras la experiencia opaca. Detrás del cuadro negro podemos considerar otras maneras de acariciar con la luz olvidando la dependencia física."

Mamá, quiero ser replicante

Blade Runner (1982)

Como buen fan del ciberpunk siempre me he preguntado como acabaría la humanidad en un futuro no muy lejano. Y una posible respuesta la encontré hace años en Blade Runner de Ritley Scott, obra maestra donde las haya en su género, la ciencia ficción.

El otro día viendo esta película en clase de Teoria Fotográfica caí en la cuenta de varios detalles del film que me hicieron reflexionar de nuevo sobre este tema, la identidad humana.

En una época donde el ser humano está en declive, hemos llegado a crear máquinas tan perfectas que nos es difícil distinguirlas de nosotros mismos. En este film se empiezan a plantear los primeros pilares del ciberpunk, es decir, las máquinas que inicialmente se crearon al servicio del hombre han evolucionado y son capaces de desarrollar sus propios sentimientos, por lo tanto de construir también una identidad propia a raiz de las experiencias archivadas en sus memorias. Si esto es cierto, entonces que sentido tiene el ser humano.

Escuela de Düsseldorf

Coleccion torres de agua ( Hilla y Bernd Becher )

Se puede decir que hasta los años 70 la fotografía no experimento un verdadero renacimiento como género artístico. Es en estos años donde podemos ubicar al matrimonio compuesto por Hilla y su marido Bernd Becher, los precursores más importantes de la emancipación artística de la fotografía con un alcance internacional.

Trabajaron en la documentación fotográfica de la arquitectura industrial durante casi medio siglo a un nivel que hoy en día no se ha podido superar. Aunque son conocidos también por ser docentes de la Academia de Bellas Artes de Dusseldof. Asi Becher fue el primer catedrático en impartir fotografía artística en una academia de Bellas Artes alemana y su mujer Hilla también destacó en el campo de la enseñanza. Sus primeros estudiantes se conocen dentro del circuito del arte como la "clase Becher" compuestos por Candida Höfer, Axel Hütte, Thomas Ruff y Thomas Ströth, a los que se sumaron Petra Wunderlich, Andreas Gursky y Jörg Sasse.

La obra de Becher fue teniendo gran importancia dentro del mundo del arte con gran rapidez. Los rasgos de su obra son fácilmente reconocibles por tratarse de imágenes en blanco y negro, donde se representan torres de agua, depósitos de gas, silos de cereal, etc. De cielos grises, evitaba las sombras intensas y los objetos se mostraban con gran nitidez. En total unos 20.000 negativos dignos de la más exhaustiva investigación y seriación de estos edificios y construcciones.

La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica.

Walter Benjamin, 1928

Walter Benjamin (1892-1940)

Benjamin fue un importante pensador alemán vinculado a la Escuela de Frankfurt. Inició sus estudios de filosofía en Berlín su ciudad natal, y que luego siguió desarrollando en las ciudades de Friburgo, Munich y Berna.

En 1928 presentó en la Universidad de Frankfurt su tesis doctoral "El origen de la tragedia alemana", la cual fue desaprobada y frustró su vocación académica. Era simpatizante y seguidor del idealismo de Kant y la dialéctica de Hegel, rechazado y marginado por la universidad. Se presento voluntario para la guerra pero pronto se le quitaría de la cabeza esa idea al ver que dos de sus mejores amigos se acabaran quitando la vida. Sus estudios sobre la filosofía de Kant y de Platón le sirvieron para elaborar el concepto de crítica de arte en el romanticismo alemán. Intento sin éxito fundar una revista, pero fue en este periodo donde escribió un texto en el que hace un análisis sobre el concepto de "mito".

Tuvo una estrecha relación con Bertolt Brecht, un dramaturgo alemán y después de la llegada de los nazis al poder tiene que huir a Francia donde pudo continuar con su obra teórica. Cuando la ocupación nazi se hizo más intensa consiguión un visado para los Estados Unidos de la mano de Max Horkheimer quien era miembro del Instituto de Investigación Social, después conocido en todo el mundo como la Escuela de Frankfurt. Recibiendo más adelante fondos de la Escuela para proseguir en sus investigaciones de la mano de los directores y amigos Theodor Adorno y Horkheimer.

La sombra del iceberg

¿Quién era "Capa" y a qué crees que se debe su relevancia como fotógrafo?Endre Ernö Friedmann, como era su verdadero nombre era un húngaro de familia acomodada que siempre estuvo en contacto con la cultura y el mundo intelectual pero que gracias a una mujer importante en su vida Eva Besnyo, conocemos hoy a este hito de la fotografía.

La vida de Capa pasa hasta que en 1932 se establece en Francia, refugiándose del nazismo, allí conoce a la que sería su compañera de vida, la fotógrafa alemana Gertha Phororylle, conocida mejor como Gerda Taro.

Endré Frieddman y Gerda Taro

Robert Capa es un producto que surge de la unión de Endré y Gertha, es a partir de este instante donde empieza la figura de Robert Capa, siendo dificil hoy en día saber distinguir que fotografías son de uno y de otro, puesto que sus estilos fotográficos son muy parecidos.

Capa es uno de los fotógrafos de guerra mejor considerado de todos los tiempos y a raiz de él surgirán en otros países fotografos que correran su misma suerte, como Gilles Caron, precisamente por implicarse tantoy estar en primera línea de fuego.

¿Por qué esta imagen fotográfica se convirtió en un símbolo de la lucha republicana?.

Muerte de un miliciano, 1936 

Se convierte en símbolo por plasmar el instante de una muerte, de alguien que no está en una actitud combativa y de defensa.

Porque es la pausa, la detención de la marcha de un soldado que intenta avanzar y el alcance de una bala ha detenido esa acción.

Por ser una imagen dramática, casi teatral, es el desenlace final de la vida de un ser humano.

Representa el poder del enemigo el cual no aparece, pero queda implícito en su ausencia, el cual tiene el poder de quitar una vida. Al no verse representado en la fotografía hace que el misterio y la crudeza del mismo tengan más fuerza.

Compositivamente hablando es una imagen sencilla de recordar, es una figura humana yaciendo sobre un fondo homogéneo.

Y por último, si hoy en día es una imágen impresionante con todo el universo fotográfico que tenemos asumido, me imagino que en aquella época tuvo que tener un efecto muchísimo más impactante.

¿Qué otras fotografías han seguido un proceso parecido y se han convertido en símbolos de una época?

La niña de Vietnam - Nic Ut, 1972 

El hombre del tanque de Tian’anmen - Jeff Widener,1989 

Ejecución en Saigón - Eddie Adams, 1968 

¿Qué aportaciones hace el documental a la investigación sobre la famosa fotografía de Capa?El eje del documental es la veracidad fotográfica de "Muerte de un miliciano", aunque resalta el aspecto secundario que tiene este hecho, no importa quien hiciera la foto, como lo hiciera y si era un escenario ensayado, si al final cumplió su cometido.

La aportación documental que aporta la fotografía en el campo de la medicina forense, siendo en la mayoría de los casos relevante para la resolución de casos.

Se demuestra que la identidad del miliciano no es la que en su época se dijo. Que la hora de la muerte no es la fechada por la prensa de la época. Se deduce por tanto que todo hecho histórico puede propiciarse a raíz de una imágen, como ha pasado, pasa y pasará en la historia de la humanidad.

Capítulo 5 Genios de la fotografía. "We are family"

¿Cuál es la pregunta sobre la que se articula todo el guión?La pregunta es que es lo que buscan los fotógrafos en realidad, el docuemntal gira en torno sobre la identidad la esencia de la persona y cómo captarla en un sólo instante. ¿Es realmente el fotógrafo un testigo de lujo? El fotógrafo puede mostrar eso, tiene capacidad para captar eso, si es así, ¿debe hacerlo?

¿Qué es la posmodernidad y qué influencia ha tenido sobre la fotografía?La Posmodernidad sería lo que viene después de la edad moderna, pero sería más preciso definirla como la última etapa de ésta. Se caracteriza por que el arte llega a un estado de saturación, donde todo se cuestiona, hay un desencanto por lo que durante tantos años estaba establecido. Es la reacción a tantos años de arte = belleza.

Fotograficamente hablando es la representación de la presencia de la ausencia. También es la hibridación, la mezcla de géneros, fruto de la saturación y el cansancio de lo establecido, todo se junta sin etiqueta en algo concreto.

El discurso postmodernista se centra sobre todo en la incertidumbre, en desmontar las ideologías, en la denuncia de lo sistemático, en la dictadura de los mass media como anuladores de pensamiento y voluntad, pero sobre todo se centran en la reivindicación de la diversidad, la diferencia como valor a defender y conseguir que prevalezca sobre lo estipulado, lo normativo.

¿En qué se diferencia el trabajo de Diane Arbus y Nam Goldin?
El trabajo de Diane Arbus gira en torno a su persona, ella quería ser cualquier persona menos ella misma. Fotografiaba a las personas donde veía reflejados sus miedos e inseguridades. Mientras que Nam Goldin utiliza la fotografía como un medio de expresión, enseña lo normal de las personas que eran consideradas atípicas por una sociedad sumisa ante lo normativo.

¿Y el de Larry Clark del de Richard Billingahm?
Los dos tienen en común que están metidos de lleno en el trabajo que realizan, es decir, son parte implicada de sus fotografías, son sus vidas. En el caso de Billingahm utiliza la fotografía como elemento de terapia que le ayuda a no caer en una profunda depresión de la que no podría salir y acabr mal. Sin embargo Clark es menos consciente, está mas ensimismado (y drogado también) y lo hace por diversión.

¿Por qué se ha generado una polémica en torno al trabajo de Sally Mann?
La polémica está servida con Mann, por estar cuestionada siempre su ética, cuando es personal y cuando no su fotografía, es ético que fotografíe a su familia y enseñe la intimidad de la misma, donde está el límite como madre que es. ¿Debería como madre proteger a sus hijos de los ojos de los demás? ¿es licito hacer eso? ¿ético? he ahí la polémica servida.

¿Cuál es la relación que establecerías entre el trabajo de Sally Mann y Margaret M. de Lange?
Yo creo que las dos hacen el mismo trabajo, es más una es influencia de la otra, o mejor dicho, Sally es la Margaret de hoy en día. La diferencia es que Margaret no llega a publicar su obra fotográfica sin una aprobación posterior de sus hijos, cuando estos ya son adultos para comprender que significa la publicación del trabajo de su madre, y están fuera de ese período de desarrollo, al contrario que Mann que decidió por ellos.

¿Cuál es el contexto en el que Larry Sultan empezó a desarrollar su trabajo y cuáles eran las premisas de este contexto?
Larry Sultan empezó en el contexto de una familia, aparentemente correcta, acomodada, y de buena imagen de cara a los demás. La premisa era retratar la realidad de su familia tal cual era sobre todo después de sufrir el rechazo de su padre ante su decisión de ser artista.

¿Qué tienen en común el trabajo de Cindy Sherman y Philip-Lorca DiCorcia?
Los dos tienen el mismo discurso, la existencia hoy en día de una sociedad cargada de estereotipos perfectamente definidos y repetidos por una sociedad ausente de pensamiento, de personalidad propia y de valores que no sean los impuestos por el machacante mensaje de los medios de comunicación. Cindy Sherman lo hace adoptando múltiples identidades pretendiendo enseñar el estereotipo. Y Dicorcia lo hace creando realidades recreadas, es decir inventadas, pero que definen muy bien la auténtica realidad del deterioro y saturación que sufre la sociedad moderna.

¿Cuál es el concepto de realidad para DiCorcia?
Para DiCorcia no hay concepto de lo real en la fotografía, no tiene ese carácter verdadero cuando se trata de plasmar o captar a los demás, en ese instante ya deja de ser real. La realidad es totalmente subjetiva y está sujeta a infinidad de interpretaciones, por lo tanto no existe una realidad global, existen infinitas realidades.

¿En qué se diferencia el trabajo de Diane Arbus y Nam Goldin?
El trabajo de Diane Arbus gira en torno a su persona, ella quería ser cualquier persona menos ella misma. Fotografiaba a las personas donde veía reflejados sus miedos e inseguridades. Mientras que Nam Goldin utiliza la fotografía como un medio de expresión, enseña lo normal de las personas que eran consideradas atípicas por una sociedad sumisa ante lo normativo.

¿Por qué se ha generado una polémica en torno al trabajo de Sally Mann?
La polémica está servida con Mann, por estar cuestionada siempre su ética, cuando es personal y cuando no su fotografía, es ético que fotografíe a su familia y enseñe la intimidad de la misma, donde está el límite como madre que es. ¿Debería como madre proteger a sus hijos de los ojos de los demás? ¿es lícito hacer eso? ¿ético? he ahí la polémica servida.

¿Cuál es la relación que establecerías entre el trabajo de Sally Mann y Margaret M. de Lange?Yo creo que las dos hacen el mismo trabajo, es más una es influencia de la otra, o mejor dicho, Sally es la Margaret de hoy en día. La diferencia es que Margaret no llega a publicar su obra fotográfica sin una aprobación posterior de sus hijos, cuando estos ya son adultos para comprender que significa la publicación del trabajo de su madre, y están fuera de ese período de desarrollo, al contrario que Mann que decidió por ellos.

¿Cuál es el contexto en el que Larry Sultan empezó a desarrollar su trabajo y cuáles eran las premisas de este contexto?Larry Sultan empezó en el contexto de una familia, aparentemente correcta, acomodada, y de buena imagen de cara a los demás. La premisa era retratar la realidad de su familia tal cual era sobre todo después de sufrir el rechazo de su padre ante su decisión de ser artista.

¿Y el de Larry Clark del de Richard Billingahm?
Los dos tienen en común que están metidos de lleno en el trabajo que realizan, es decir, son parte implicada de sus fotografías, son sus vidas. En el caso de Billingahm utiliza la fotografía como elemento de terapia que le ayuda a no caer en una profunda depresión de la que no podría salir y acabr mal. Sin embargo Clark es menos consciente, está mas ensimismado (y drogado también) y lo hace por diversión.

¿Qué tienen en común el trabajo de Cindy Sherman y Philip-Lorca DiCorcia?Los dos tienen el mismo discurso, la existencia hoy en día de una sociedad cargada de estereotipos perfectamente definidos y repetidos por una sociedad ausente de pensamiento, de personalidad propia y de valores que no sean los impuestos por el machacante mensaje de los medios de comunicación. Cindy Sherman lo hace adoptando múltiples identidades pretendiendo enseñar el estereotipo. Y Dicorcia lo hace creando realidades recreadas, es decir inventadas, pero que definen muy bien la auténtica realidad del deterioro y saturación que sufre la sociedad moderna.

¿Cuál es el concepto de realidad para DiCorcia?Para DiCorcia no hay concepto de lo real en la fotografía, no tiene ese carácter verdadero cuando se trata de plasmar o captar a los demás, en ese instante ya deja de ser real. La realidad es totalmente subjetiva y está sujeta a infinidad de interpretaciones, por lo tanto no existe una realidad global, existen infinitas realidades.

Como ejemplo que complementen el trabajo de DiCorcia estaría el que realizan fotógrafos como Gregory Crewdson y Jeff Wall.

Jeff Wall 

Gregory Crewdson 

Capítulo 6 Genios de la Fotografía "Juicios instantáneos"

Rhein II, Andreas Gursky

Hoy en día podemos entender la fotografía como una manifestación más del arte, incluso como arte ¿porqué no?.

Gracias a la evolución que ha llevado ésta dentro de este peculiar mundo, sabemos que la fotografía habita en las galerías más renombradas y entre los mejores marchantes, hasta tal punto que alcanzan valores insospechados.

¿Cómo saber cual es el valor de una fotografía y si esa cuantía es la correcta? es todavía hoy una incógnita. Lo que está claro es que a partir de la segunda mitad del siglo XX, la concepción de obra de arte cambió, los círculos de gente acomodada, los ricos y pudientes empezaron a tener interés por la obtención de la obra original, lo valiososo era poseer el original, no la copia.

Actualmente en la prestigiosa casa de pujas Christie’s, se manejan cifras de 2, 3 y hasta 4,3 millones de dólares como es el caso de Andreas Gursky, cuya fotografía encabeza este post. El disparo fue hecho en la zona conocida como Rhineland, en Alemania. Fue tomada en 1999, esta firmada por el autor en el reverso y se trata de la copia numero 1 de 6 existentes.

¡Dime con quien andas! ¿con KLEIN?, ¿con FRANK?

A que nos suena esa pregunta de ¿y tú de quién eres?, cuando alguien quiere saber porque te decantas ante posibles y numerosas respuestas. Pues bien esa es la pregunta que nos toca hoy, con cual de estos dos "genios de la fotografía" nos identificamos mejor, Klein o Frank.

Evidentemente los dos tienen sendas biografías y obras lo suficientemente densas como para llenar páginas y páginas de lo que ellos fueron y supusieron para el mundo de la fotografía y la documentación. Pero me voy a limitar en reseñar dos breves textos del libro "The Photography Book" editado en el año 2000 por Phaidon Press Limited, que creo que resumen muy bien.

Herederos de Martin Parr

Martin Parr, mesa redonda en Matadero Madrid. 2012

Martin Parr, mesa redonda en Matadero Madrid. 2012

Martin Parr, es el fotógrafo de la ironía, con su colorido saturado, nos muestra una realidad sin adornos, sin distraciones estéticas, es la realidad directa, fresca, sin normas establecidas y encorsetadas. Se podría decir que se sale de lo políticamente correcto, (¿y que es lo correcto?) para mostrarnos lo que hay.

Es el padre de la fotografía de estos tiempos que corren, sus imágenes son la bofetada a lo que hemos estado alabando durante este último siglo. Es un "despierta, estamos ahora aquí, y te lo muestro así".

Cuando vemos su obra nos damos cuenta que ya nada va a ser como antes, a partir de entonces tenemos que empezar a pensar que mucha de la fotografía que hemos consumido hasta ahora, se trataba de fábulas mágicas.

La foto que no hice. Los gigantes de hierro.

Dicen que cuando el veneno ha tenido contacto con la sangre de tus venas, uno ya está perdido para siempre. Y no hablo de un veneno destructivo que tras un periodo de tiempo, el que sea, cumple el cometido de su letal función.

Más bien hablo de algo dulce, sano, algo que a veces juguetea en los campos de la obsesión. Me refiero a ese impulso de hacer fotos que llevo instalado en mi desde hace años. Esto por supuesto tienes sus cosas buenas y otras menos buenas, aunque tampoco es para entrar en estado de alarma.

El caso es que en ocasiones uno se queda con las ganas de captar ese instante, en otras ese anhelo llama a la puerta de la razón varias veces hasta que acabas haciendo la foto.

Sea como fuere, recuerdo numerosos pálpitos pero me voy a centrar en este que se me viene a la cabeza, que si no me disperso.

Todos los días me levanto temprano y después de hacer mis cosas de humano, voy a recoger a mi hijo a casa de su madre para llevarlo al colegio. Desde que él sube al coche hasta que lo dejo hay un buen trecho, aproximadamente unos 15 o 20 minutos de carretera. Se podría decir que repito itinerario con frecuencia, aunque a veces, cambio de ruta para tener varias visiones de un acto cotidiano.

Siempre voy oteando el horizonte y veo los postes de la luz encima de las laderas de las montañas desde varios puntos de vista a medida que va avanzando mi coche. He de reconocer que tengo predilección por los postes eléctricos de alta tensión, es una de mis "obsesiones" fotográficas, esas estructuras de hierro tan solemnes y erguidas, son auténticos gigantes custodiando los campos de los países. Hay toda una jerarquía, desde el Rey hasta todo un ejército de caballeros. A veces los sitúo dentro de un ajedrez, pienso que son unos magníficos alfiles.

Cada día son personajes diferentes con escenarios diferentes, los veo a contraluz, con cielos nublados, con niebla, entonces se vuelven más misteriosos.

Se puede decir que no hay día, el cual no los fotografíe en mi mente, pero la seguridad vial me impide parar el coche y hacerles fotos.

Creo que encontraré la manera de retratar a mis "Gigantes de Hierro"... hay que ver lo que puede conseguir un buen veneno.

Bueno, y esta una de tantas ganas fotográficas que se me quedan en la reCámara. Iré contando más.

Hasta la próxima visión. ;)

Las 4 tipos de leyenda

Nancy Newhall según la relación entre lo verbal y lo visual, habla de cuatro formas de leyenda en el fotoperiodismo.

• Leyenda enigma, nuestra atención repara antes en la fotografía para luego es el texto el que acaba de satisfacer nuestro interés.

• Leyenda mini-ensayo, fotografía y texto se complementan, no hay supremacia de ninguno de los dos.

• Leyenda narrativa, la imagen sirve de puente hacia el artículo explicativo.

• Leyenda amplificativa, imprime connotaciones a la fotografía influyendo en su lectura.

Joan Fontcuberta. El discurso fotográfico

El fotógrafo Joan Fontcuberta. / Vic Soriano.

El fotógrafo Joan Fontcuberta. / Vic Soriano.

Fontcuberta, a lo largo de este manual que precede a este capítulo ha defendido que la fotografía en si es un elemento aislado, pero llega un momento en el cual se puede comprobar que eso no es así. La fotografía siempre va a tener la compañía de un contexto, que haga que si cobre significado, esto es muy común en los actuales medios de comunicación, los cuales no se pueden comprender hoy en día sin la imagen. ¿Pero la imagen va realmente sola? Vemos en la mayoría de los casos que siempre está enlazada con texto, el cual ayuda a que la fotografía adquiera significado.

Por tanto se establece una relación entre el mundo de la imagen y el escrito sin ánimo de establecer como máxima, que lo uno sin lo otro no funcionarían por separado. Observamos a lo largo de la historia sin resultarnos extraño, que la imagen va con pies de foto, leyendas y sucesiones de imágenes como montajes, álbumes, que están dotados de una discursividad fotográfica, como era el caso de Brench y Benjamin, por así decirlo, fueron los precursores del editing, proceso que se denominaba en la jerga del cine y del video para denominar a este tipo de narrativa.

Henri Cartier-Bresson. Fotografiar del natural.

Para Henri Cartier-Bresson fotografiar es un acto sublime donde aquel que lo hace tiene que poner todos sus sentidos en el disparo. Tiene que ser como un cazador, aguantar la respiración y esperar el momento idóneo para capturar lo que tanto se ansía, el momento perfecto.

Distingue dos tipos de fotógrafos, sin quitar mérito al fotógrafo de encargo y de escenarios prefabricados, pero sin embargo el va más allá y hace otra distinción, refiriéndose al fotógrafo que lo hace desde su alma. Y para ello no podría ser de otra manera que desde el más profundo de uno hacia el respeto sobre todo aquello que se está fotografiando.