Mark Twain

"Aléjate de la gente que trata de empequeñecer tus ambiciones. La gente pequeña siempre hace eso, pero la gente realmente grande, te hace sentir que tú también puedes ser grande."

Abismo

Abismo, es la sensación que he tenido cuando ya sabía que no podía ir más abajo. Basado en un fragmento del mejor anime ciberpunk de todos los tiempos "Ghost In The Shell: Stand Alone Complex" de Mamoru Oshii, éste describe muy bien el sentir de un ser humano cuando se pregunta cual es su razón de ser, su origen, su por qué y para qué está en este mundo. Me gusta este fragmento porque corresponde a la gran reflexión que hace de su existencia la Mayor Motoko Kusanagi, personaje principal del film, sobre la cual gira toda la historia, con la peculiaridad que detrás de estas reflexiones tan humanas se esconde un ciborg. También me gusta porque pone de manifiesto la analogía que encuentro con el mundo de la fotografía.

Abismo

La cámara lúcida. Roland Barthes

Roland Barthes

Barthes era un crítico literario y estructuralista francés. Parte de su obra es una reflexión sobre la condición histórica del lenguaje literario y una tentativa de constituir una semiología de la moda hasta demostrar la pluralidad significativa de un texto literario. Algunas obras reflejan su crisis como creador.

Su obra literaria se fundamenta en un método crítico desarrollado a partir del marxismo, del psicoanálisis y especialmente de la lingüística estructuralista. Defiende la consideración de la obra literaria desde un sistema de significaciones distinto del análisis tradicional, haciendo una valoración del texto por sí mismo.

En "La cámara lúcida" lejos de encontrarnos un análisis teórico, hallamos una interpretación afectiva de la fotografía.

El libro es un tratado perfecto del tiempo, de la nostalgia y de la muerte. Se ocupa del lenguaje que surge en torno a la muerte; es un trabajo sobre la fotografía que contiene a la vez una reflexión sobre la muerte.

Susan Sontag. Ante el dolor de los demás

Susan Sontag _ Annie Leibovitz

Como siempre, es imposible quedarse de la misma manera después de leer a Sontag , así pues voy a exponer algunas de las reflexiones que hago sobre el texto "Ante el dolor de los demás".

En primer lugar es obvio aclarar que en el conjunto de la sociedad, siempre existirán diferentes posicionamientos con respecto a la guerra. Parece lógico y normal que todo el mundo repudie el acto bélico, ya que lleva asociado un acto que nace de la violencia.

Pero también parece ser, que cuando el conflicto está a miles de kilómetros de nuestras casas, debido a que, o bien por la distancia, o porque nos es ajeno, o bien porque estamos ya demasiado acostumbrados a la guerra, no nos afecta de una manera tan directa.

Apropiacionismo. Glamour to Kill.

GLAMOUR TO KILL from drkikemon on Vimeo.

El apropiacionismo es un movimiento artístico que basa su discurso en el procedimiento de la apropiación. En el mundo de las artes visuales, este término se refiere, al uso de elementos tomados para la creación de una nueva obra, ya sea pintura, escultura o incluso poesía. Como el famoso caso de "La fuente (urinario)" de Marcel Duchamp en 1917.

La fuente (urinario)". Marcel Duchamp. 1917.

El mundo de la fotografía no podía ser menos, así pues, estos elementos tomados prestados son imágenes, formas, estilos de la historia del arte o de la cultura popular, o bien materiales o técnicas obtenidas de un contexto no artístico.

Mi primera placa.

Mi primer retrato con cámara de placa. 2013.

Este es el resultado de mi primer contacto con una cámara de placas y un cartucho de Polaroid de gran formato un poquito pasado de rosca ;). Si he dicho bien, esa cámara como las de antaño, aquellas en las que el fotógrafo se tenía que cubrir la cabeza con una tela negra para poder ver bien el encuadre de la toma. Sin duda toda una experiencia en positivo y sobre todo otra manera desconocida para mi de fotografiar porque te obliga a planificar antes y por lo tanto a estar más presente en tu yo fotográfico.

Durante estos últimos meses la he manipulado y he realizado un proyecto con ella, cámara para arriba, cámra para abajo y ahora valoro mucho entiendo y valoro mucho más la vida de tantos y tantos fotógrafos que han dedicado su vida a esta noble profesión.

Lo inevitable. Microproyecto Autorretrato y desnudo.

Lo inevitable 

El autorretrato como testimonio de la incertidumbre.

In & Out

Lo inevitable es un ejercicio de exploración de mi personalidad a través del autorretrato y la fragmentación, en el que pretendo compartir el testimonio de una época intensa de mi vida, en la cual me encuentro ahora, en tránsito desde la certeza hacia la incertidumbre. 

He sido diseñador gráfico durante dieciocho años pero siempre quise ser fotógrafo. Mi familia prefirió que ingresara en la universidad y cursara algo relacionado con lo que tanto me gustaba: la imagen. Y lo hice. Estudié Marketing y Publicidad y me especialicé en imagen corporativa. Con este trabajo gané mucho dinero y aunque seguía haciendo fotografía, era siempre una imagen al servicio del encargo que no me terminaba de satisfacer. 

Pero hace cuatro años, cuando la crisis arrasó este sector, me planteé que quizá había llegado el momento de apostar por mis sueños. Era inevitable. Reduje el tiempo que le dedicaba al diseño e ingresé en la Escuela de Arte para estudiar fotografía. Entonces mi vida cambió drásticamente de una manera que no pude imaginar. Dejé de ganar dinero, perdí amistades, no tenía tiempo para hacer deporte y el poco tiempo libre que me quedaba se lo dedicaba a mi hijo. Mi personalidad empezó a cambiar en ciertos aspectos, se acumularon los anhelos y la melancolía se instaló en mi vida. Aparqué el orgullo, pedí ayuda y me di cuenta que no podía seguir haciéndolo todo. A veces me planteo si la decisión que he tomado es la correcta, me asaltan las dudas. Pero al final siempre acabo dándome cuenta que sí es la decisión que quería tomar. Porque, por una vez, empiezo a hacer las cosas para mi mismo, para mi propia rentabilidad y no para la de los demás.

A milímetro por año. Microproyecto Paisaje.

“A milímetro por año” es una retrospectiva a través del paisaje que veía hace 23 años enfrentado al que veo en la actualidad. 

Hace 23 años cogí por primera vez una cámara réflex de 35 mm y me dediqué a fotografiar aquello que veía todos los días por aquel entonces, la Antártida. Con 18 años de edad tuve la fortuna de hacer una campaña en un buque oceanográfico y decidí que una cámara sería la compañera perfecta para compartir todos esos momentos y grabarlos en mi memoria en forma de negativo. 

Han pasado todos esos años y desde aquel entonces he vuelto a repetir conducta. He cogido de nuevo la cámara y me he dedicado a fotografiar lo que actualmente veo día tras día en un radio de unos 20 kilómetros, queriendo igualar las condiciones de aquel momento con las presentes: por un lado, una réflex de 35 mm, y por otro, un radio de acción determinado.

De Papel y Punto. Microproyecto Audiovisual.

De papel y punto from drkikemon on Vimeo.

De Papel y Punto es un ejercicio de exploración de la personalidad a través del retrato, el cual pretende dar testimonio del carácter personal y profesional en el cual se encuentra ahora Cristina Ruiz, en su peculiar tránsito hacia el diseño y la decoración.

Cristina Ruiz se dedica a la arquitectura. Es en lo que se ha formado. Desde que acabo sus estudios hasta ahora ha podido conocer ese mundo laboral, y aunque confiesa que le gusta, nota que no le aporta todo aquello que a ella le gustaría. Afirma que la arquitectura, en su caso, es un mundo donde ha podido poner en práctica esos conocimientos de aritmética, matemáticas, etc., pero que al fin y al cabo no le transmiten lo emocional de la vida.

La foto que no hice. Una parada a tiempo.

Han pasado casi 25 años desde que este rebelde desconocido, "El héroe de Tiananmen", se pusiera delante de esos tanques y le parara los pies a la opresión. Siempre que veo esta fotografía me estremezco y fantaseo, en como me hubiese gustado estar ahí y haber tomado yo esta fotografía tan impactante, por todo lo que simboliza, y porque hacen falta imágenes de este tipo en nuestros días para que ocurra ese cambio tan necesario que tanta falta le hace a este mundo.

"El hombre tanque" Jeff Widener. 1989. Agencia Associated Press.

Ya que no pude en 1989 realizar esta fotografía le dedico las siguientes palabras a este momento histórico.

Desde el comienzo de todos los tiempos la humanidad ha ido despertando en cada paso que daba en su singular paseo de lo que hoy entendemos como vida.

Hoy, un exceso de información y el continuo afán de informatizar y unificar todos los procesos hechos por la humanidad en beneficio de sistemas, hacen que nuestra percepción y modo de vida se hayan visto modificados para que unos pocos puedan vivir en paz y a sus anchas mientras que otros muchos luchan por lo más básico. No nos damos cuenta que juntos somos una gran masa y tenemos el poder de detener la marcha de cualquier injusticia.

Por eso el verdadero avance no es seguir caminando, sino pararlo todo para saber si estos pasos han sido bien dados.

Presbicia

Queridos Pixel y Dixel:

Parece que fue ayer cuando empezásteis a acariciarme con vuestras radiaciones catódicas, mis ojos no apostaban por esta relacción, pero a pesar de todo han transcurrido los años y no sólo hemos pasado momentos inseparables, han surgido nuevas y entrañables amistades. ¿Verdad Presbicia? ¿Recuerdas cuando me presentaste a tus primas las dioptrías, que bonita relación tenemos desde entonces, mientras me alejo de las cosas para poder sentirlas cerca, ellas sin embargo se crecen conmigo cada día. Si no llega a ser por vosotras hoy no podría caminar junto a mi fiel compañera las gafas. Por eso, como habéis hecho durante todo este tiempo conmigo, no puedo hacer más que acelerarme y adelantarme en el agradecimiento de mi nueva condición. 

P.D. Los ojos os envían muchos recuerdos.

La foto que no hice. Juego de niños.

Fotografía anónimo. Fuente: google. 

Corren tiempos difíciles para la humanidad, hombres racionales que creen vivir en paz mientras niños en tranquilidad juegan a la guerra.
Cambios necesarios de ocurrir pero que nunca llegan.
Miedo a lo nuevo porque transformar lo establecido no es rentable para esos hombres de paz.
Que los niños hablen y luchen con sus juegos porque sus palabras son verdades y sus distracciones realidades.
Que los hombres aprendan y escuchen porque sus verdades no son buenas palabras y sus realidades son distracciones.

¿Por qué y para qué fotografío?

Boas Ondas. 2012

Siempre que me hago estas dos preguntas me doy diferentes respuestas, pero en esencia, creo que es por darle un sentido a todo lo que me rodea y contentarme con la idea de que una fotografía me lo va a explicar todo.

En un principio, el porqué hago fotografía obedecería a la necesidad de capturar imágenes, instantes. Es una necesidad de comunicar mi realidad para completar esa gran realidad colectiva. Sería como la aportación de mi granito de arena.

Me gusta la idea de representar la realidad y establecer el juego de fusionarla con la imaginación. Es como mi propia novela, mi propia película, sólo que noto siempre, que hay un ligero toque de denuncia sistemática a lo que nos dicen que es real.

También existe una razón menos íntima, hay una necesidad en mi de salir de ese mundo del encargo tan agresivo al que he estado expuesto, he trabajado siempre para que otros saquen el rendimiento de mi creatividad con fines comerciales. Después de tanto tiempo, "debe ser el cansancio, la madurez", uno no quiere servir más a tales fines de venta, o por lo menos no de una manera tan obvia y tan presente. 

He visto demasiadas veces la transformación que ha sufrido mi proceso creativo para adaptarlo a los criterios de otros. Aunque se que la fotografía tiene sus similitudes con el mundo del diseño, parece ser que no está sujeta a ese cambio tan inmediato, al fin y al cabo la fotografía se queda hecha, el diseño, a no ser que se guarde en sus distintas fases de creación, está sujeto al continuo cambio.

Y otra gran razón es el gusto de encuadrar y fragmentar, siempre y cuando me nazca de dentro, porque en cuanto me veo forzado a ello ya no soy yo el que encuadra, es la cámara.

Sin embargo el para qué fotografío es para comunicar un sentir, una reflexión de este mundo tan perfectamente real, tan lleno de tecnología y megapixeles. Es intentar al menos que alguien entienda y acepte que hay tantas realidades como individuos existen pero que todas esas realidades forman el conjunto de una sola.

Otro fin, no menos importante para mi, es la particular "fototerapia" que me supone en ocasiones, es una manera de exteriorizar lo que en su día se quedó dentro. Aunque la intención no es permanecer en ese aspecto terapéutico, sino algo de más envergadura, utilizar mi mirada para que pueda servir a los demás.

La foto que no hice. ¡Cumpleaños Feliz!

Siempre que intento ponerle una imagen a mis cumpleaños, nunca consigo imaginármela con claridad. Repaso mentalmente el archivo fotográfico familiar, y salvo un par de fotografías con los mofletes rebosantes de aire a punto de soplar, no hay mucho más.

Sin embargo recuerdo perfectamente el nerviosismo que sentía en esos aniversarios. El día de antes que no dormía, la fiesta del cumple, mis amigos, mis hermanas, mis primos..., el jaleo, los regalos, los globos, la piñata, recuerdo que era el día donde con un poco de suerte y audacia podías pegarle un sorbo a una cocacola y no a una fanta, los panchitos, los sandwichs variados, los cacahuetes, las aceitunas, la tarta, las velas, el soplido hasta quedarte sin aire para no dejarte ni una encendida, los sugus, tu madre diciendo: ¡MASTICA, QUE TE DOLERÁ LA TRIPA!, el dolor de tripa esa misma noche e innumerables detalles que hacían ese día fuese especial e inolvidable.

Luego, con el tiempo, uno va creciendo y todas esas cosas se llegan a olvidar o simplemente las transformamos en otras. Y yo me pregunto: ¿no podría volver a esos días de cumpleaños y tomar "yo" esas fotografías que no realicé? Seguro que al mirarlas, después de tanto tiempo, acabaría sintiéndome como un crío de nuevo.

Hotel • Italy • Horror

Hotel Italy Horror es una visión inquietante de todo aquello que en apariencia es inocente y sencillo. Es andar sobre tus propios pasos e ir rescatando los fotogramas del suspense que encierran un paseo nocturno. Es alojarte en un hotel de puertas abiertas y oir como se cierran a tus espaldas. Es dormir en esa habitación vacía y saber que ahí hay alguien. Es la intriga que encierra un escaparate a la vuelta la esquina. Es todo aquello que te enseñan los espejos pero también lo que esconden. Es la espera de una llamada que nunca llega. Son esos personajes anónimos y estáticos cargados de personalidad oscura, deseando ser observados por ojos llenos de inquietud.

Entre la ilusión de lo real y la memoria. Evgen Bavcar.

La verdad es, que el texto de Evgen Bavcar, este fotógrafo ciego, me ha conmovido por varias razones. Mientras uno piensa y reflexiona el porqué y para qué quiere fotografiar, no se da cuenta a veces, que volcamos todo nuestro ser, en lo que la mayoría de la gente cree que esta fundamentado el arte de fotografiar, la vista. 

Creemos erroneamente que la mirada está en relación directa con el ojo y no es así, porque lo que nos cuenta Evgen Bavcar es ni más ni menos que un día dejó de ver con los ojos pero empezó a mirar. Que al fin y al cabo es en lo que insisten muchos teóricos, la mirada. Sólo que en este caso es como sacar de la cámara oscura de su mente todas esas fotografías que él no pudo llegar a hacer cuando veía.

Es enternecedor como este fotógrafo describe esas caricias de luz y con que respeto habla de la sombra, elogiándola y afirmando que aquello que pertenece a la sombra es porque no pertenece al mundo de la luz y ese es el sitio en el cual debe permanecer.

"Las relaciones que existen entre los cuerpos y la luz crean también el fenómeno de las sombras y a veces el efecto Casimir. Se trata de la desaparición de objetos en las tinieblas, allí donde ni siquiera la luz puede alcanzarles. Gracias a este juego, al nacer tenemos la posibilidad de conservar destellos tras la experiencia opaca. Detrás del cuadro negro podemos considerar otras maneras de acariciar con la luz olvidando la dependencia física."

Ucronía.

"Ucronía I" - Día del Libro (23 de abril)

"Ucronía"

El lunes pasado me preguntaron cual era el título de mi fotografía seleccionada para la exposición del Día del Libro (23 de abril) que tendrá lugar en el Archivo Regional de la Región de Murcia.

Reconozco que en ese instante, mi cerebro resentido últimamente por el cansancio de vida que llevo, no fue capaz de proporcionarme un título. Esa misma noche me puse en contacto con mi querida amiga y joven escritora Bea Martín Martín intuyendo lo apasionada lectora que es. Le expliqué brevemente mi fotografía, diciéndole que escogí representar el instante en el cual se sumerge alguien cuando está devorando un libro y no lo puede dejar ni para beber agua. Mi intuición fue cierta cuando al responderme me dice:

"Como bien dices, sería imposible que a cualquier lector que se precie esto no le hubiese ocurrido nunca.

Me parece una sensación preciosa la de estar "enganchado" a un libro porque, mientras estás dentro de él, dejas de vivir tu propia realidad para entrar en otra alternativa de la que eres sólo mero espectador. El hecho de leer compulsivamente es algo como vivir otra vida. Como vivir en un universo donde las cosas pueden cambiar, ser opuestas a como lo fueron y donde infinidad de posibilidades tienen cabida.

Por ello he pensado en el término "Ucronía". Y he visto que complementa muy bien a la imagen y a su significado.

"Ucronía" es un género literario donde la historia transcurre en un mundo alternativo del pasado en el que algún acontecimiento sucedió de forma diferente a como ocurrió en realidad. No es más que huir de ese mundo en el que las cosas sucedieron de otra manera a como lo hicieron, y en donde nos refugiamos al leer sin poder detenernos.

Su significado etimológico (según wikipedia) es: «tiempo que no existe» o «tiempo que no existió».

Te dejo el enlace de wikipedia:http://es.wikipedia.org/wiki/Ucron%C3%ADa".

Gracias de nuevo Bebi ;)

"Ucronía II" 

"Ucronía III" 

Mamá, quiero ser replicante

Blade Runner (1982)

Como buen fan del ciberpunk siempre me he preguntado como acabaría la humanidad en un futuro no muy lejano. Y una posible respuesta la encontré hace años en Blade Runner de Ritley Scott, obra maestra donde las haya en su género, la ciencia ficción.

El otro día viendo esta película en clase de Teoria Fotográfica caí en la cuenta de varios detalles del film que me hicieron reflexionar de nuevo sobre este tema, la identidad humana.

En una época donde el ser humano está en declive, hemos llegado a crear máquinas tan perfectas que nos es difícil distinguirlas de nosotros mismos. En este film se empiezan a plantear los primeros pilares del ciberpunk, es decir, las máquinas que inicialmente se crearon al servicio del hombre han evolucionado y son capaces de desarrollar sus propios sentimientos, por lo tanto de construir también una identidad propia a raiz de las experiencias archivadas en sus memorias. Si esto es cierto, entonces que sentido tiene el ser humano.

Escuela de Düsseldorf

Coleccion torres de agua ( Hilla y Bernd Becher )

Se puede decir que hasta los años 70 la fotografía no experimento un verdadero renacimiento como género artístico. Es en estos años donde podemos ubicar al matrimonio compuesto por Hilla y su marido Bernd Becher, los precursores más importantes de la emancipación artística de la fotografía con un alcance internacional.

Trabajaron en la documentación fotográfica de la arquitectura industrial durante casi medio siglo a un nivel que hoy en día no se ha podido superar. Aunque son conocidos también por ser docentes de la Academia de Bellas Artes de Dusseldof. Asi Becher fue el primer catedrático en impartir fotografía artística en una academia de Bellas Artes alemana y su mujer Hilla también destacó en el campo de la enseñanza. Sus primeros estudiantes se conocen dentro del circuito del arte como la "clase Becher" compuestos por Candida Höfer, Axel Hütte, Thomas Ruff y Thomas Ströth, a los que se sumaron Petra Wunderlich, Andreas Gursky y Jörg Sasse.

La obra de Becher fue teniendo gran importancia dentro del mundo del arte con gran rapidez. Los rasgos de su obra son fácilmente reconocibles por tratarse de imágenes en blanco y negro, donde se representan torres de agua, depósitos de gas, silos de cereal, etc. De cielos grises, evitaba las sombras intensas y los objetos se mostraban con gran nitidez. En total unos 20.000 negativos dignos de la más exhaustiva investigación y seriación de estos edificios y construcciones.

La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica.

Walter Benjamin, 1928

Walter Benjamin (1892-1940)

Benjamin fue un importante pensador alemán vinculado a la Escuela de Frankfurt. Inició sus estudios de filosofía en Berlín su ciudad natal, y que luego siguió desarrollando en las ciudades de Friburgo, Munich y Berna.

En 1928 presentó en la Universidad de Frankfurt su tesis doctoral "El origen de la tragedia alemana", la cual fue desaprobada y frustró su vocación académica. Era simpatizante y seguidor del idealismo de Kant y la dialéctica de Hegel, rechazado y marginado por la universidad. Se presento voluntario para la guerra pero pronto se le quitaría de la cabeza esa idea al ver que dos de sus mejores amigos se acabaran quitando la vida. Sus estudios sobre la filosofía de Kant y de Platón le sirvieron para elaborar el concepto de crítica de arte en el romanticismo alemán. Intento sin éxito fundar una revista, pero fue en este periodo donde escribió un texto en el que hace un análisis sobre el concepto de "mito".

Tuvo una estrecha relación con Bertolt Brecht, un dramaturgo alemán y después de la llegada de los nazis al poder tiene que huir a Francia donde pudo continuar con su obra teórica. Cuando la ocupación nazi se hizo más intensa consiguión un visado para los Estados Unidos de la mano de Max Horkheimer quien era miembro del Instituto de Investigación Social, después conocido en todo el mundo como la Escuela de Frankfurt. Recibiendo más adelante fondos de la Escuela para proseguir en sus investigaciones de la mano de los directores y amigos Theodor Adorno y Horkheimer.